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Genova fu una delle prime città italiane a dotarsi di una rete elettrica, grazie alla lungimiranza del Comune e all’intervento della società tedesca AEG. Nel 1895 nacquero le Officine Elettriche Genovesi (OEG), che costruirono e gestirono la prima centrale termoelettrica cittadina. Le OEG produssero e distribuirono energia elettrica a Genova e nei comuni limitrofi per oltre mezzo secolo. L’azienda giocò un ruolo fondamentale nello sviluppo industriale e civile della città. Con la nazionalizzazione del settore energetico nel 1962, le OEG furono assorbite dall’ENEL. La storia si ripeté nel 1999 con la liberalizzazione del mercato elettrico, che confermò il modello di un unico distributore per comune, eredità del passato genovese. Il libro celebra la storia dell’elettrificazione di Genova e, in particolare, il contributo di Italo Tealdi, storico dipendente della società, arrivato oggi alla soglia dei 100 anni, alle OEG. Il volume sottolinea l’importanza di Genova come pioniera nella gestione dell’energia elettrica e come precursore dell’attuale modello di distribuzione.

Conservare un convento del XXI secolo nel centro storico di una città può sembrare un’operazione scontata, assimilabile ad uno dei tanti interventi attuati nei nostri centri storici. Ma se l’obiettivo, oltre a quello di conservare il monumento, è di garantire una nuova funzione ad uso sociale, ci troviamo di fronte a un processo di natura diversa. Lo scopo di questa pubblicazione è di presentare il percorso di ricerche, restauri e riuso iniziato a Santa Chiara intorno al 2015, di cui si restituiscono alcuni momenti significativi: il restauro della chiesa e del coro, progettati dal Vittone intorno al 1740; il lavoro di adattamento del complesso alla sperimentazione svolta dal Gruppo Abele, che si è insediato nell’edificio con un proprio cohousing; le ricerche storiche svolte in questi anni grazie al contatto ravvicinato con l’edificio.

La mostra, che si apre nell’ambito delle celebrazioni per i 300 anni del Museo di Antichità di Torino, propone un viaggio di oltre 2000 anni nella storia e nel mito di Cleopatra, sia attraverso l’analisi storico-archeologica del personaggio e del suo tempo, sia narrando la nascita del mito e la fascinazione esercitata nel corso dei secoli. Le sezioni si sviluppano intorno alla testa-ritratto di Cleopatra conservata al Museo di Antichità, capolavoro che attrae a sé storia e leggenda. Manufatti archeologici e sculture antiche sono posti in dialogo con opere pittoriche, grafiche e contributi cinematografici che hanno visto protagonista, nel corso dei secoli, la celebre sovrana d’Egitto. Passato e presente si fondono per raccontare la donna, la regina e il mito, in un intreccio ancora oggi attuale ed evocativo.

A settant’anni dalla prima acquisizione, i Musei Nazionali di Genova – Galleria Nazionale della Liguria presentano il catalogo generale delle opere. Un patrimonio composto da oltre duecento beni che in questo volume, grazie alla collaborazione di trentanove studiosi, ricevono un aggiornamento critico e in diversi casi trovano la prima sede di pubblicazione. Il catalogo è suddiviso in tre sezioni, dipinti e grafica, sculture, arti decorative, documenti, libri e oggetti di cultura materiale, ognuna delle quali è ordinata cronologicamente. Ogni opera è corredata di una completa scheda scientifica e da un ricco apparato iconografico, frutto di una estesa campagna fotografica realizzata ad hoc. Il risultato sono quasi 700 pagine, punto di arrivo e di partenza per conoscere lo straordinario patrimonio del museo.

Destinata a un pubblico ampio, la guida, dedicata ai capolavori della Galleria Nazionale della Liguria, è stata ideata come maneggevole strumento per fornire una panoramica di questa articolata collezione. In essa sono descritte le opere principali con un taglio moderno. Il volume si propone anche come una sorta di ideale “galleria” grazie a un apparato iconografico di qualità che documenta l’ampiezza delle raccolte, sia da un punto di vista cronologico, con opere realizzate dal XIV al XX secolo, sia come ambito di produzione, sia, ancora, per le tipologie illustrate, essendovi inclusi dipinti, sculture, opere grafiche e arti decorative. In parallelo all’uscita del Catalogo generale, il museo ha voluto quindi differenziare la propria offerta editoriale, proponendo anche un’agevole e accurata selezione delle opere più rappresentative.

Il sito seriale è composto da otto complessi monumentali religiosi e secolari, all’interno delle mura della città di Padova, ospitanti cicli affrescati dipinti tra il 1302 e il 1397 da diversi artisti, per committenti differenti. Nonostante questo, gli affreschi mantengono unità di stile e di contenuto. Ecco i luoghi: la Cappella degli Scrovegni e la Chiesa degli Eremitani, il Palazzo della Ragione, la Cappella della Reggia Carrarese, il Battistero della Cattedrale, la Basilica e il Convento di Sant’Antonio, l’Oratorio di San Giorgio e l’Oratorio di San Michele. Nel complesso del sito Patrimonio Mondiale il ciclo della Cappella degli Scrovegni di Giotto è considerato come principio dello sviluppo rivoluzionario nella storia della pittura murale che ispirò la realizzazione di altri cicli affrescati da diversi artisti, come Guariento di Arpo, Giusto de’ Menabuoi, Altichiero da Zevio, Jacopo Avanzi e Jacopo da Verona. Nel loro insieme questi cicli illustrano come, nello spazio di un secolo, l’arte dell’affresco si sia sviluppata di pari passo con un nuovo impeto creativo e una nuova comprensione della rappresentazione spaziale.

Il volume nasce dalle considerazioni condivise in occasione della giornata di studi Intorno a Van Dyck organizzata dai Musei Reali e dall’Università degli Studi di Torino a margine della mostra Van Dyck pittore di corte allestita nelle Sale Palatine della Galleria Sabauda, nel 2018. I 12 saggi affrontano con letture di metodo differenti alcuni temi di approfondimento (il viaggio in Italia, l’organizzazione dell’atelier, la moda, la fortuna collezionistica), attraverso cui è delineata l’attività del pittore anversano. È soprattutto l’itinerario italiano di Antoon van Dyck, tra il 1621 e il 1627, a costituire ancora un problema aperto. I nuovi ritrovamenti documentari suscitano analisi, smottamenti e precisazioni, determinando anche un ripensamento delle cronologie che inevitabilmente si riversa sulla scansione delle opere. Lo stesso Taccuino italiano, sul quale ancora le ricerche non cessano di interrogarsi, è un puntello imprescindibile ma anche un enigma per gli studi, sia per il montaggio a posteriori dei fogli, sia perché si tratta di una testimonianza non esaustiva delle tappe e delle opere sulle quali si sofferma lo sguardo del pittore...

Architetture di natura. Cupole di semi e cattedrali di fili d’erba. L’artista tedesca, toscana d’adozione, presenta al MAN una ampia installazione che punteggia il piano nobile del museo di sculture leggere e impalpabili, un inno alla levità della natura e, insieme, alla sua complessità. Abilissime nell’issare sculture fatte di soffioni, steli, baccelli o crini di cavallo, le mani di Christiane Löhr issano nello spazio sottili strutture arboree, edificano paesaggi minimi. A nuove forme astratte per piccoli templi silvestri si aggiunge, per l’occasione, un omaggio alla Sardegna, che vede l’autrice presentare piccoli accumuli di chicchi o sementi, a evocare torri e costruzioni nuragiche... Christiane Löhr, (Wiesbaden, Germania, 1965) vive e lavora tra Prato e Colonia. Si laurea alla Kunstakademie di Düsseldorf con Jannis Kounellis (1994) con il quale poi completa un Master of Arts (1996). Ha esposto a Chaumont-sur-Loire, Haus am Waldsee, Museo e Real Bosco di Capodimonte, Museo San Fedele di Milano, Wuppertal, Kunsthaus Baselland, Muttenz, MART di Rovereto, Villa Panza, Varese, Centro Pecci, Prato...

Il magico e la mitologia, la tradizione classica e la cultura arcaica si mescolano nella ricerca dell’artista svizzera che sperimenta materiali dal valore fortemente espressivo in un racconto corale dalle sfumature epiche. Divinità della terra e della notte, simbologie arcane, proprietà benefiche delle piante e antiche sapienze botaniche permeano l’opera di Una Szeemann di mistero e, insieme, di memorie ataviche, mentre il sentimento selvatico dei boschi prende corpo in forme astratte ma potentemente evocative. Il progetto per il MAN si presenta connesso al territorio della Sardegna, alle sue asperità, alla leggenda delle Janas e alla persistenza archeologica nel paesaggio, laddove la natura stessa pare talora fossilizzarsi, mimetizzarsi con le pietre e con le creste del Supramonte. Una Szeemann, (Locarno, CH, 1975) vive e lavora a Zurigo e Tegna. Ha completato gli studi di recitazione a Milano. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre internazionali, tra cui al Kunsthaus Zürich, alla Kunsthalle Winterthur, al Museo Cantonale d’Arte di Lugano, al Kunstmuseum Luzern, al Kunstverein Hamburg, al Belvedere 21 di Vienna, alla Biennale di Venezia, alla Biennale di Busan...