NFC Edizioni

Una piccola collana sia per misure che per tiratura che si ispira deliberatamente e sfacciatamente a The Pencil of Nature di William Fox Talbot, rendendogli omaggio e rivisitandone il pensiero. Lo studio dei fenomeni luminosi in chiave contemporanea. Luminous Phenomena, piccoli libri fotografici monografici, nati per celebrare il rapporto viscerale tra corpo e ambiente circostante, tra essere umano e sessualità, per riscoprire una sensibilità ormai perduta verso il proprio essere attraverso gli occhi di fotografi internazionali. Verranno raccontati i corpi, le persone, le luci e l’oscurità… ogni pubblicazione sarà tradotta in 3 lingue (italiano, francese e inglese), in modo da poter essere divulgata per musei e gallerie in giro per il mondo. Lo scopo di Luminous Phenomena è quello di arricchire le case di collezionisti e non e riscoprire il piacere di parlare di fotografia in salotti letterari europei e d’oltreoceano.

In questo numero: Adriano Peroni - Dodone vescovo di Modena e cardinale di Ravenna (1101-1134). Profilo di un committente virtuale Valentina Rossetti - La scultura a Reggio Emilia nel Quattrocento: Antonio di Sante e il Maestro delle Madonne di Reggio Roberta Aglio - “Quell’oscura smania che spinge tanto a mettere insieme una collezione”. La Galleria Parmeggiani e il commercio di tavole da soffitto in Francia tra XIX e XX secolo Francesca Bottura - Grazia, «tremore d’aria» e chiaroscuro. Correggio Barockmaler nella critica di Max Dvořák Alessandra Bigi Iotti - Giovanni Costetti e Domenico Rambelli. Il carteggio della Biblioteca Comunale di Faenza (1922-1934) Giancarlo Grassi - Un disegno di Prospero Clemente al Museo del Prado Stefano Bulgarelli - La macchina cronometrica di Lodovico Gavioli nel Palazzo Comunale di Modena Ilaria Campioli - Curiosa Meravigliosa, un nuovo progetto di committenza pubblica sulla facciata dei Musei Civici di Reggio Emilia.

La legge sull’amministratore di sostegno è stata approvata nel 2004 a conclusione dell’Anno europeo delle persone con disabilità. A distanza di quasi vent’anni dalla sua entrata in vigore, ha impresso un forte cambiamento perché ha comportato il passaggio dalla cultura della tutela alla cultura della protezione, dalla sostituzione all’affiancamento, dalla negazione totale del diritto alla salvaguardia delle minime possibilità d’azione. Il legislatore nell’immaginare l’amministratore di sostegno ha voluto dare a questa figura giuridica la fisionomia del “volontario”, figura da sempre in grado di coniugare l’aiuto verso le persone più deboli con l’arricchimento della relazione e della solidarietà personale. Questo è il motivo per cui il Centro di Servizio per il Volontariato della Romagna, credendo fortemente nelle potenzialità di questo strumento giuridico, ha continuato a promuoverlo, con la spinta delle associazioni, organizzando in modo continuativo corsi di formazione, seminari e convegni. Fino all’attivazione dello sportello, presso il Tribunale e nella Casa delle Associazioni, che costituisce ormai da diversi anni un punto di riferimento di facile accesso...

Presso la Galleria d’Arte ZAMAGNI di Rimini. In programma la Vernice di CAULE, prima personale di Gianni Giulianelli a cura di Milena Becci. I dipinti di Giulianelli oggi conservano e racchiudono in loro i segni, i colori e la bellezza della natura materna e femminile a cui si è avvicinato negli anni. Grafismi bucolici rigeneranti emergono dalla tela in una luce diffusa che sottolinea le sfumature e le tinte seducenti del creato. Il corpo femminile, tanto ripreso dalla macchina fotografica, è metaforicamente contenuto nelle tracce della natura che ammaliano lo spettatore avvolgendolo. È presente un’eleganza immortale e fuori dal tempo in cui le tinte, oleose, sfociano nella possibilità di una rinascita dell’armonia, sedotte dalla pennellata che scorre. Grazia e candore femminile, simboli di passione e amore, sono preponderanti nei lavori e fanno uscire l’essenza dell’anima. In botanica il caule è un organo della pianta, detto comunemente fusto, è la parte che sostiene le foglie, stabilendo un collegamento tra esse e la radice. Può essere erbaceo o legnoso ed è diverso da specie a specie per forma, lunghezza e per durata di vita. La verticalità di questo elemento...

Dal 2016, il progetto EX ha presentato il lavoro di artiste e artisti quali Riccardo Baruzzi, Pierpaolo Campanini, Paolo Chiasera, Cristian Chironi, Flavio de Marco, Andrea Facco, Michael Fliri, Andrea Galvani, Margherita Moscardini, Andrea Nacciarriti, Marco Neri, Alessandro Pessoli, Leonardo Pivi, mantenendo centrale il suo valore esemplare, ovvero quello di portare esempi di successo e di rappresentare un incoraggiamento importante per studentesse e studenti. Quest’anno, la collettiva, ospitata fino al 12 marzo 2023 nel Salone degli Incamminati della Pinacoteca Nazionale di Bologna, presenta una selezione di opere di sei artisti diplomati alle Accademie di Belle Arti di Bologna e di Ravenna, accomunati dal punto di vista generazionale: Giovanni Blanco (1980), Jacopo Casadei (1982), Rudy Cremonini (1981), Domenico Grenci (1981), Enrico Minguzzi (1981) e Nicola Samorì (1977).

“L’occhio di medusa” più che un saggio, è una raccolta di pensieri critici sull’invisibilità/visibilità dell’arte contemporanea e dei suoi protagonisti. Prendendo spunto dal mito di Perseo, l’autore rintraccia i lineamenti di un’estetica positiva che, al di là degli schemi teoretici più consueti, afferma la leggerezza e il primato dell’occhio nei processi di costituzione dell’opera d’arte. Da Van Gogh a Stanley Kubrick, da Damien Hirst ad Anselm Kiefer, da Caravaggio a Walt Disney Alessandro Masi raccoglie le testimonianze di una giuria particolare messa di fronte al giudizio dell’opera quale imputato eccellente. a leggerezza mercuriale sfugge all’occhio indagatore di Medusa come gli astronauti di fronte a quello ancora più spietato di Hall in “2001: Odissea nello spazio”, dando delle risposte concrete sul futuro dell’arte contemporanea e alle trappole che la realtà sottintende. Mito, sogno, verità qui si infrangono, si distruggono e nel contempo, come in un mare in tempesta, regalano al lettore il privilegio di un giudizio critico unico. “La realtà pietrifica – scrive Alessandro Masi nella sua premessa – tanto quanto i malefici occhi di Medusa...

Milano scultura, la fiera d’arte tematica italiana, è tornata nella sua sede “naturale”, in quella Fabbrica del Vapore in cui si è fatta conoscere in tutta Italia per essere un laboratorio aperto sulle sperimentazioni e i nuovi linguaggi creativi. Questo ritorno è anche un rilancio per un ‘idea originale che ha bisogno di una grande città della cultura come Milano per rilanciare la voglia di una “full immersion” nell’arte autentica.

Come noto, la dicitura “e a capo” viene usata, normalmente, per indicare il cambio di periodo nello svolgimento di un testo. Tale variazione del ritmo di prosa, segnalata da uno spazio bianco, è finalizzata a rispecchiare il diversificarsi dei contenuti affrontati nello scritto. Al contempo, affinché le argomentazioni detengano la coerenza indispensabile per una trasmissione di significato efficace, il nuovo periodo deve conservare un legame sia con ciò che lo ha preceduto che con quanto lo seguirà. In caso contrario, ogni parte della scrittura risulterebbe irrelata con l’altra e l’insieme difetterebbe nella comprensione. Giulia Apice Dario Carratta Valerio Di Fiore Marco Emmanuele Alessandro Giannì Sue Kennington Aryan Ozmaei Andrea Polichetti

La Collezione racconta perciò la storia della comunità riminese, del suo entroterra, delle botteghe cittadine e regionali, mentre si declina attraverso le arti, le immagini, le iconografie, le scelte estetiche, i significati culturali e religiosi che le singole opere incarnano. Ma la raccolta è anche una mappa geografica di relazioni importanti con le città italiane ed europee, con Costantinopoli e Venezia, con la Serbia e la Macedonia, con Ravenna, Padova, Bologna, Roma ecc.: viaggiano le opere, i loro autori, la loro influenza, le loro suggestioni. Tuttavia, questo percorso, o meglio questo racconto, trova il suo fine nell’essere condiviso con la comunità, e quindi esposto regolarmente al pubblico. Da qui l’idea di offrire in deposito temporaneo una parte pregiatissima delle opere della Fondazione per esporle nel Museo della Città “Luigi Tonini”, in modo da colmarne alcune lacune storiche, riguardanti il Trecento, il Rinascimento e il Seicento.

Il caso di Ilario Fioravanti va in realtà rubricato nel corso felice dell’esperienza creativa, in quel flusso vitale che ha deviato dai tracciati principali allontanandosi sempre di più dal grande fiume tragico che ha innervato l’intero Novecento. Quello di cui era figlio Fioravanti viene chiamato da tutti il secolo breve, ma in campo artistico a molti ha dato l’impressione di non finire mai e a distanza di altri due decenni dalla sua chiusura anagrafica sembra ancora sopravvivere da lungodegente. Chi ha avuto la fortuna di vedere Ilario al lavoro ha di certo potuto percepire, sopra ogni altra cosa, l’intento suo di raccogliere quanta più materia possibile del mondo e insieme avrà apprezzato quell’instancabile bisogno di conoscerla, di tornare a plasmarla. Quando non aveva creta a portata di mano era un mozzicone di sanguigna a venir pigiata su di un foglio, fino a spremerne l’ultima goccia d’immagine, ricavando succo da ogni umanità che gli passava davanti, da ogni animale che entrava nella sua arca.

A distanza di settant’anni tornano alla luce le immagini sconosciute di Amedeo Montemaggi (Rimini, 27/1/1923 - 10/7/2011), un intellettuale con la passione della fotografia. Storico e giornalista dopo la maturità classica collabora con “il Resto del Carlino”, ma viene licenziato per antifascismo. In seguito si laurea in lettere classiche dedicandosi all’insegnamento e nel 1955 diviene “capopagina” del giornale che lo aveva allontanato. Studioso appassionato della Seconda Guerra mondiale, viene considerato il più grande storico della Linea Gotica con numerose pubblicazioni sull’argomento.

La ripetizione di un esperimento serve a verificare la correttezza di una formula e cabine d'artista si può ormai considerare una vera e propria formula espositiva, un format: all'interno di ogni cabina di uno specifico settore dello stabilimento balneare viene esposta l'opera che ognuno degli artisti invitati ha prodotto appositamente, o ha scelto dal suo archivio, in risposta al tema proposto dal curatore. La mostra Bagni Misteriosi prende ispirazione dall'omonimo ciclo di opere della seconda metafisica di Giorgio de Chirico, lavori al cui interno l'artista immaginava si manifestasse un situazionismo magico, surreale, appunto metafisico. Le opere di de Chirico immergono lo spettatore in dimensioni che non hanno alcun riferimento logico con il luogo in cui erano presenti e questo è stato un po' lo spirito con cui è stata effettuata la selezione degli artisti chiamati ad esporre, nella consapevolezza che le opere che avrebbero presentato sarebbero state intrise di un situazionismo surreale capace di condurre lo spettatore al di fuori del tempo e dello spazio.