Maretti Editore

Il volume presenta un insieme di 478 opere ritenute autentiche dalla Fondazione. Come per la precedente edizione del 2014, sono incluse soltanto opere non presenti nella catalogazione storica di Claudio Bruni Sakraischik (1971-1987). A prova della poliedricità dei mezzi di espressione dell'.artista, questa nuova raccolta presenta, insieme alle opere di pittura e disegno, anche un insieme di miniature dipinte su avorio e di gioielli disegnati a partire dagli anni Quaranta. Le opere, qui riprodotte a colori e in bianco e nero, sono presentate in ordine cronologico dal 1910 al 1975. La presente archiviazione è il risultato di una continua e complessa ricerca filologica, analisi tecnica e studio dei temi iconografici e dei diversi periodi stilistici del lavoro del Pictor Optimus, svolta dalla Fondazione che tutela la personalità intellettuale e artistica del maestro. Il volume, composto da 520 pagine, include un saggio introduttivo di Fabio Benzi, una presentazione di Paolo Picozza - presidente della Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, il testo "Il mestiere del pittore" di Giorgio de Chirico (1933), una breve biografia dell'artista e un riassunto delle attività della Fondazione.

Cagliaritana, Carla Mura ha iniziato, fin dai primissimi anni Duemila, a lavorare con materiali insoliti, guardando all'esperienza dell'informale americano e facendo sua la necessità di andare oltre la figurazione, calandosi mani e piedi nel lavoro pittorico in maniera spontanea e autentica: senza, cioè, mediazioni intellettualistiche o teorizzazioni a priori del proprio operare, ma cercando, innanzitutto, il suo personale (e originale) approccio alla pratica artistica - quello che, fin dal principio, la caratterizzasse e la definisse, a partire dal linguaggio utilizzato, prima ancora che da questioni stilistiche o meramente contenutistiche. Ma è con la scoperta (casuale, come avviene spesso con le scoperte importanti, non di rado improntate a un concetto di serendipità), di quello che diventerà in seguito il suo mezzo peculiare - il filo di cotone, un filo d'un tipo raro, particolare e pregiato -, che il lavoro di Carla Mura entra in una fase di maturazione e di forte riconoscibilità.

Renato Mambor e Patrizia Speciale sono gli autori e i protagonisti di questo libro di "arte e vita" che li coinvolge personalmente con il racconto vivo e diretto del loro incontro, della loro amicizia, del loro amore, della loro collaborazione lavorativa. L'arista romano - scomparso lo scorso 6 dicembre 2014 - è stato sempre considerato uno dei più importanti protagonisti della ricerca nelle arti visive fin dalla fine degli anni '50, ed uno dei primi artisti a sconfinare dalla pittura in altri linguaggi, quali la fotografia, il cinema, la performance, le installazioni, il teatro. È annoverato tra i pittori della Scuola Romana di Piazza del Popolo perché espone negli anni '60 alla Galleria La Tartaruga gli Uomini Statistici, i timbri, i ricalchi. Si trasferisce a Genova e prosegue una linea analitico-concettuale con i rulli, il filtro, l'evidenziatore. Costruisce una scultura primaria di metallo, denominata Trousse, e la fa agire da attori. Inizia così una lunga esperienza in campo teatrale come autore, attore, regista. Parte da questo momento la profonda relazione con Patrizia che seguirà il Gruppo in qualità di aiuto-regista, coautrice di testi, direzione organizzativa.

La mostra di Andrea Mastrovito Here the dreamers sleep prende spunto dalla storia della famiglia Andersen e dal progetto futuristico di Hendrik Christian riguardante il World Center of communication, arrivando ad affrontare il tema universale dell'utopia, come chiarisce Eugenio Viola nel testo critico in catalogo. "Questa mostra essenzialmente declina un percorso sull'utopia, Hendrik Christian Andersen era un eccentrico sognatore. Allo slancio utopico del modello di partenza, declinato in tutta la sua classica magniloquenza, Mastrovito aggiunge il contrappunto distopico del presente, cui fa riferimento lo stesso titolo della mostra, preso in prestito dalla frase incisa sulla tomba di famiglia degli Andersen, al cimitero acattolico di Roma: Here The Dreamers Sleep". Nelle cinque stanze della casa-museo, l'artista riporta in vita l'epopea familiare dello scultore Hendrik, della madre Helene, del fratello pittore Andreas, con la moglie e mecenate Olivia Cushing, evocandoli attraverso riproduzioni da giardino di capolavori scultorei, che diventano personificazioni allegoriche dei quattro membri della famiglia.

Renato Mambor appartiene alla generazione degli artisti che ha contribuito a definire la storia dell'arte italiana degli anni '60 e '70. Nato a Roma nel 1936, è cresciuto in questo magnifico territorio, tra rovina e povertà. Nel periodo dell'immediato dopoguerra, a Roma tutto è da ricostruire; la città eterna inizia a rinascere dalle ceneri di un passato doloroso che vuole dimenticare. Quest'epoca forgia nella memoria collettiva l'immagine delle difficoltà sociali associate a un fermento di ricostruzione e di speranza nella nuova realtà industriale ed economica. Il paese prende consapevolezza del ritardo culturale dovuto al proprio isolamento durante il periodo fascista. Nell'ambito dell'arte questa volontà di "aggiornarsi" si esprime, sul piano politico e teorico, a Roma, sede delle amministrazioni e delle grandi università, con figure come Lionello Venturi e Argan, a Venezia con Marchiori e Apollonio. La settima arte aziona una carica emotiva contagiosa, incitando al cambiamento in tutti i settori della creazione. Renato Mambor contrae questa febbre di rinnovamento che lo lega, per un'aspirazione vitale, alla città che lo ha visto nascere.

Flavio Favelli si affeziona particolarmente alle etichette, perché sono colorate e vogliono trasmettere dei messaggi che il bambino coglie immediatamente. Ancora ricorda benissimo il cartellone dei gelati fuori dal bar della piazza del paese sugli Appennini dove passava le vacanze durante la sua infanzia, con un elenco di nomi che sa ancora a memoria. Anche per l'immagine icona della mostra personale che costruirà durante la sua residenza per AlbumArte a Istanbul, alla Galata Rum Okulu, non resiste alla tentazione di scegliere un'etichetta di una lattina aperta e schiacciata, in modo che si legga tutto, anche gli ingredienti del succo, caratterizzata da un'immagine accattivante, ricordando il suo vecchio modo di percepire il mondo. La mostra prende presto un titolo che gli appartiene: Grape Juice." Il catalogo, a cura di Vittorio Urbani, riporta testi di Vittorio Urbani, Cristina Cobianchi, Cristiana Perrella nonché le meravigliose immagini della mostra-esperienza che ha caratterizzato l'attento percorso creativo dalle mille immagini di un Favelli artista profondo e inaspettato.

Partendo dal pensiero di Dylan Thomas secondo il quale "Il mondo non è più lo stesso dopo che una buona poesia gli si è aggiunta", Pizzi Cannella (1955, Rocca di Papa) dipinge un quadro e intitola un libro "La colazione del poeta". È un pretesto per parlarci di sé e della sua pittura: "Quando dipingo penso alla tela come a tutto il mondo possibile'. La pittura non è come le altre 'arti', è qualcosa di più, è la 'strada Maestra', una questione di vita o di morte". Concepire l'arte in termini di non-confine tra le sue possibili forme, pone l'autore di questo volume della Collana "Scritti d'artista" nella posizione ottimale di concludere le sue preziose pagine con versi "rubati" ad un Anonimo ischitano sulla teoria (e messa in pratica) del porzionare il famoso coniglio in famiglia: siamo nel XIX secolo e tutti ne avranno un po', ma seguendo la regola a piramide del Capo e del più anziano. È così anche per l'arte? Chi più ha vissuto, meglio sa dove trovarla per cibarsene?

L'arte cubana è sempre stata un dirigersi verso altre esperienze inesplorate e un ritorno alla sua essenza. Da più di un decennio si fa avanti nell'arte contemporanea una fiorente ibridazione di codici visivi ed espressivi, di solito contrassegnati da stereotipi geografici. In questi nuovi territori si muovono gli artisti cubani che hanno raggiunto una deriva sempre più internazionale. Questo catalogo analizza i vincoli e le differenze che sorgono tra artisti di differenti generazioni. "La tercera orilla" aspira ad annotare e mostrare l'incrocio simbolico tra 14 artisti dove il decennio degli anni Novanta diventa il punto d'incontro tra passato e presente. Sono stati scelti artisti con una carriera riconoscibile, unendoli a giovani artisti che mostrano una produzione solida e recente, costituendo quella continuità dell'arte cubana che ha avuto luogo nel corso degli ultimi due decenni. Artisti: José Bedia, René Francisco, Eduardo Ponjuán, Los Carpinteros, Alexis Esquivel, Glenda León, Carlos Quintana, Wilber Aguilera, Glauber Ballesteros, Lorente-Castro-Lorente, Carlos Martiel, Lázaro Navarrete, Osmeivy Ortega, Guibert Rosales.

Giosetta Fioroni nasce a Roma nel 1932. Si iscrive all'Accademia di Belle Arti, dove segue le lezioni di Toti Scialoja. Dal 1958 vive a Parigi e nel 1963 ha la sua prima personale alla galleria Denise Breteau. Tornata a Roma, Giosetta è l'unica presenza femminile nel gruppo della Scuola di Piazza del Popolo, accanto a Franco Angeli, Mario Schifano, Tano Festa, Francesco Lo Savio, Giuseppe Uncini, Fabio Mauri. Fin da subito inizia a collaborare con poeti e scrittori. Fondamentali nella sua vita il rapporto con lo scrittore Goffredo Parise, la collaborazione con il fotografo Marco Delogu, il lavoro con il ceramista Gatti di Faenza, il suo amore per la Pop-Art e la sua passione per i cani. Proprio al ricordo dell'amico a quattro zampe "Biri", Giosetta dedica la copertina di questo volume della collana "Scritti d'artista". L'"andare in Paradiso" è per l'artista recarsi quotidianamente nel suo atelier, tra idee, sogni, progetti, ricordi. Un ensamble di emozioni che pervade tutte le pagine di questo libro dove vengono raccolti i momenti più significativi e le esperienze della vita di Giosetta, sia per mano della stessa Fioroni che di nomi illustri del giornalismo e della letteratura.

Marco Gastini è nato nel 1938 a Torino, dove vive e lavora. Musei italiani e stranieri gli hanno dedicato grandi mostre antologiche e la collana "Scritti d'artista" - voluta dalla Fondazione Concetto Pozzati e con l'alto Patrocinio dell'Accademia di San Luca - pubblica una raccolta dei suoi pensieri sull'arte, la cultura, la vita. Gastini asserisce sicuro di sé: "Mi interessa dipingere. Le mie macchie sono pittura ma non come sensibilità: sono un peso, un fatto fisico, il peso di un gesto che reclama la massima concentrazione. Per me resta un problema di pittura: nella sua essenza. Vorrei che chi le guarda le accettasse dinamicamente, come energia, come un'azione". "La pittura, il dipingere - per l'artista - è una forma di discontinuità, concentra l'attenzione su un momento che stacca il gesto, l'azione rispetto allo spazio indifferenziato. La concentrazione, la discontinuità annullano lo spazio e inventa un suo spazio diverso, discontinuo, a sua volta". In tutto il libro si percepisce un interessante percorso mentale che "non può essere preso se non considerandolo, verificandolo nelle sue componenti fisiche".

Proprio nell'anno del Centenario dell'arrivo di de Chirico a Ferrara, il pronipote dell'artista, Eugenio Bolognesi, fornisce alla Fondazione Giorgio e Isa de Chirico un nuovo strumento di indagine: un centinaio di lettere dell'artista alla fidanzata Antonia Bolognesi, conosciuta e frequentata durante il suo soggiorno nella "Ferrara delle sorprese" (1915-1918). Sottolinea il Presidente della Fondazione de Chirico: "La lettura degli scritti riguardo questa importante relazione [...], completa il quadro di de Chirico come uomo, dal quale risalta una profonda integrità personale, l'onestà e il forte impegno lavorativo per conquistare le condizioni necessarie per realizzare il sogno di vita condiviso con la fidanzata e la propria fiducia verso il richiamo del destino". Questo "diario" fornisce quindi uno strumento d'indagine paragonabile a quello di una prospettiva che, tra disegno e destino, rivela la nobiltà d'animo dei protagonisti e le usanze formali dell'epoca che hanno quel qualcosa di eterno e di classico, di armonia e di fatalità, che coincide con tutta l'arte di de Chirico.