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Musica colta e jazz, quindi musica colta e musica popolare, all’inizio del Novecento si incontrano e si intersecano in un proficuo nonchè profondo interscambio per entrambe, diventando il centro di un ricco e veloce sviluppo della poetica musicale. Il testo precisa e racconta come, e in che modo, il fenomeno jazz entra in Europa, in modo particolare in Francia, e la forte attrazione che ha suscitato nella società e nei musicisti di quel periodo. Ravel viene quindi visto, analizzato, con lo sguardo rivolto esclusivamente al suo singolare uso dell’idioma jazz; il compositore assumeva infatti e coniugava nella sua musica il jazz in maniera del tutto nuova, avanzata, e del tutto personale. La sua particolarissima poetica donerà infatti, alla musica del Novecento, una tutta sua propositiva modernità che la “vecchia” critica musicale non ha mai voluto riconoscere.

Antonio Bartolomeo Bruni (1757–1821), violinista e compositore, come tanti suoi colleghi, col tempo è stato posto ai margini della storia della musica, nonostante in vita godette di una notevole fortuna artistica. Nativo di Cuneo, dopo gli studi di violino con Gaetano Pugnani, esponente eccellente della scuola violinistica piemontese, emigrò a Parigi in giovane età, e nella capitale francese si formò come compositore ed operista, lavorando nei teatri più importanti della città. Visse in prima persona la Rivoluzione Francese col conseguente passaggio dall'Ancien Régime alla Repubblica e poi all'Impero. Fu autore di una ventina di opéras-comiques, e di diversa musica strumentale. Il libro ripercorre le tappe della sua carriera artistica con uno sguardo storico sulla vita musicale nella Francia di quegli anni. L'autore si sofferma anche sulle sue vicende personali supportate da diversi documenti d'epoca, tutti inediti, che forniscono al lettore per quanto possibile un quadro esauriente sul suo modus operandi, e sulla sua vita privata, della quali sono emersi l'atto di matrimonio con la ricca Maria Ferdinanda Succoni ed il suo testamento.

«A tre anni dalla scomparsa del compositore e musicologo italiano Azio Corghi, il volume 2025–2 della RATM intende ricordare la figura e la produzione del Maestro proponendo alcuni articoli di carattere analitico accompagnati da interventi storico-biografico proposti da musicisti e musicologi che frequentarono i suoi insegnamenti e seguirono le sue proposte artistiche». (dall'Editoriale di Egidio Pozzi)

In questo secondo volume, intitolato Terra di Musica, si completa il racconto di un viaggio cominciato nel 1975 con La fertile armonia. L'Istituzione Sinfonica Abruzzese, protagonista rilevante con la sua Orchestra della vita musicale regionale, ripercorre gli ultimi venticinque anni della propria storia, dal 2001 al 2025. Tra narrazione ragionata, riflessione socio-economica, cronologia, programmi di sala, luoghi, protagonisti, immagini, testimonianze e tracce di una presenza costante sul territorio, il libro restituisce l'anima sonora di una terra che ha fatto della cultura un pilastro di crescita e coesione. Attraverso la musica, l'Abruzzo si è raccontato, si è riconosciuto, si è unito. E oggi, cinquant'anni dopo l'inizio delle attività dell'ISA, questa sinfonia continua a risuonare con forza, bellezza e visione.

Arrigo Boito lavorò strenuamente alla tragedia lirica Nerone per oltre cinquant'anni senza riuscire a dare una veste definitiva alla sua creazione: l'opera fu infatti rappresentata postuma alla Scala il 1° maggio 1924, dopo la revisione del materiale dell'autore da parte di Arturo Toscanini, Antonio Smareglia e Vincenzo Tommasini. Fino ad oggi gli studi sul Nerone non sono stati numerosi e non hanno preso in considerazione tutte le fonti primarie, lasciando pertanto in ombra aspetti importanti circa lo stato dell'opera dopo la scomparsa di Boito e l'entità del lavoro coordinato da Toscanini. Questa trattazione offre un confronto tra la partitura autografa e i materiali ad essa preparatori e l'edizione Ricordi, con gli appunti della ri-orchestrazione per mano dei revisori, da cui emerge una nutrita quantità di divergenze tra la versione di Boito – tutt'altro che così incompiuta e frammentaria come generalmente affermato – e quella definitiva. L'analisi di diversi esempi specifici che illustrano il tipo di interventi operati da Toscanini e i suoi collaboratori dimostra come anche questi siano funzionali alla costruzione storiografica della figura dell'Arrigo Boito compositore nel contesto della cultura musicale italiana degli anni Venti del Novecento.

Trascorso ormai il primo quarto, si può forse tentare un primo, provvisorio, bi lancio sulla musica del XXI secolo. È ciò che si propone Marco Moiraghi in questo libro, che a partire dalla discussione del concetto di ‘ipermoderno’ in ambito musicale punta a individuare le peculiarità delle nuove musiche in una società liquida e in continua trasformazione. Dopo un excursus su temi generali relativi ai generi musicali, all’idea di orchestrazione, alla riscrittura di musiche preesistenti e alla produzione dei compositori più giovani, trenta schede costituiscono un’agile guida all’ascolto di opere ritenute di particolare interesse e fascino. Un libro che vuole rivolgersi a un ampio pubblico di ascoltatori e appassionati, non solo a musicisti e specialisti, un invito alla scoperta e alla conoscenza della bel lezza delle nuove musiche del nostro tempo.

La scelta di scritti qui raccolti registra una partecipazione militante alla vita del teatro diversa rispetto alle recensioni di un critico. Per decenni Quirino Principe ha accompagnato il pubblico scaligero con la vastità delle conoscenze, la profondità e l’arguzia del suo discorso attraverso ampi saggi introduttivi agli spettacoli in scena pubblicati nei programmi di sala. Dedicati in gran parte al teatro musicale, non senza divagazioni nel repertorio concertistico, i saggi selezionati per questa pubblicazione, a celebrare i novant’anni di uno degli intellettuali italiani contemporanei di maggior rilievo, illuminano testo e contesto, ragioni musicali e pensiero estetico dei titoli in cartellone. Una riflessione che individua nella linea Wagner-Strauss il cuore degli interessi del musicologo e germanista, ma indaga con sottigliezza non minore anche altri autori, a cominciare da Weber, Mahler e Čajkovski.

L’Accademia Musicale Chigiana di Siena custodisce un patrimonio archivistico e librario di straordinaria ricchezza: documenti, carteggi, autografi musicali, manoscritti, materiali iconografici, fotografici e audiovisivi che raccontano la storia della musica italiana e internazionale del Novecento. Gli studi raccolti in questo volume presentano i risultati di nuove ricerche condotte su queste fonti, offrendo prospettive inedite sulla vita musicale, sui repertori e sugli interpreti che, negli ultimi cento anni, hanno animato la scena concertistica internazionale. Coniugando rigore scientifico e innovazione metodologica, La memoria risonante mostra come gli archivi della Chigiana non siano soltanto un deposito di testimonianze, ma un laboratorio vivo di idee e di pratiche musicali. Oltre a restituire la complessità delle vicende storiche, quegli studi evidenziano come la memoria custodita negli archivi possa alimentare il dialogo tra presente e passato, contribuendo a ridefinire il ruolo della musica nella società contemporanea.

Johannes Brahms als Mensch und Freund, di Rudolf von der Leyen, è un libro di Memorie edito a Düsseldorf nel 1905, assai interessante per ciò che riguarda la vita e l’attività di Brahms dagli anni ‘80 dell’Ottocento in poi, l’epoca della sua maturità e insieme del culmine della sua fama di compositore. La frequenza degli incontri fra l’autore e il musicista nonché le numerose lettere riportate rendono assai viva la raffigurazione dell’amichevole rapporto fra i due, offrendo al lettore un ampio ventaglio di incontri privati e pubblici, di considerazioni sull’arte musicale del tempo, di bellissimi viaggi – come quello nel Trentino oppure il soggiorno sul lago di Como, nella villa Carlotta del duca di Sassonia-Meiningen –, nonché di affascinanti riflessioni che hanno talora anche molta vivacità di spirito. Il testo permette di apprezzare da vicino la personalità artistica e sopra tutto umana del compositore amburghese, visto “come uomo e come amico” appunto, e si pone in certo qual modo come ideale prosecuzione delle Erinnerungen di Albert Dietrich, pubblicate sette anni prima, che si concentravano invece per la maggior parte sul periodo giovanile, all’incirca dai venti ai quarant’anni del musicista, lasciando in ombra gli ultimi decenni della sua esistenza e della sua attività musicale.

Un viaggio tra corpo, mente e arte, per scoprire che la performance ottimale nasce dalla consapevolezza e dall’armonia interiore. "Lo yoga e l’arte della performance" è una guida pratica e ispirazionale per imparare a gestire ansia e autocritica trasformandole in energia creativa. Alessandra Talamo, violinista e insegnante di Ashtanga Vinyasa Yoga, mette a disposizione il frutto di una ricerca trentennale, offrendo strumenti concreti per affrontare il palcoscenico – o qualunque momento ad alta intensità – rendendo al massimo, liberi dagli effetti negativi dell’ansia da prestazione. Partendo dagli insegnamenti millenari dello yoga – dagli otto passi di Patanjali alle tecniche di respirazione, meditazione e percezione corporea – l’autrice propone un percorso pratico capace di trasformare la mente da disordinata a concentrata, da boicottante a collaborante, e di condurre il lettore verso il flow, quello stato di grazia in cui la performance diventa libera, fluida ed efficace. Il libro include video e audio accessibili tramite QR code, per sperimentare direttamente le pratiche descritte e fare esperienza di un metodo che ha già cambiato il rapporto con il palcoscenico di numerosi musicisti e performer. Uno stile coinvolgente, che intreccia riflessioni, racconti autobiografici e testimonianze, rende questo libro uno strumento prezioso non solo per artisti e musicisti, ma per chiunque desideri rendere al meglio in ogni sfida: da una gara sportiva a un discorso in pubblico, da una recita teatrale a un intervento chirurgico. Un testo da leggere e da vivere, che insegna a trasformare la performance in un momento di libertà, gioia e pura bellezza.

L’isola delle sirene esplora il musical americano attraverso tre prospettive intrecciate: storica, polemica e autobiografica, con uno sguardo dichiaratamente legato alla cultura gay italiana. La parte storica non si propone come una narrazione lineare del musical, ma adotta una "storiografia obliqua", concentrandosi su temi specifici e marginali, come il musical afroamericano o la rappresentazione dei musicisti classici. Un elemento centrale di questa analisi è l’attenzione al desiderio omosessuale, spesso non esplicitato. L’aspetto polemico del saggio critica la cultura italiana, e in particolare quella gay, per il suo atteggiamento snob nei confronti dell’intrattenimento popolare. Agosti denuncia la tendenza della cultura gay italiana a nascondere l’omosessualità dietro una facciata di superiorità culturale, rinforzando una visione eterosessuale e maschile come norma. Infine, l’approccio autobiografico si inserisce nell’ambito del personal criticism, dove l’autore mette al centro le proprie passioni e inclinazioni. Sebbene non espliciti mai completamente il suo punto di vista, la sua scrittura allusiva rivela un posizionamento identitario chiaro, offrendo una lettura del musical che non solo valorizza il proprio sguardo gay, ma anche riflette un impegno critico nei confronti della cultura popolare. Un saggio che usa il musical come strumento per riflettere su temi di cultura, desiderio e identità, proponendo un’analisi che va oltre la semplice storia del genere.