Lazy Dog

La linea – che può prendere tante direzioni, scorrere lungo fiumi tortuosi, cadere nelle misteriose profondità dell’esistenza, per poi riemergere e superare montagne e specchi d’acqua – è la metafora della vita, sottoforma di un breve e intenso racconto visivo. Ideato, scritto, progettato e stampato con il torchio in 60 esemplari da Alessandro Zanella nel 1999 per le figlie Anita e Francesca, viene oggi riproposto in versione anastatica per un pubblico più ampio, con la speranza di essere riusciti a restituire intatto lo spirito che lo ha generato, e destinandolo idealmente al sorriso di molti altri bambini e bambine.

Un libro di culto, dedicato all'indiscusso maestro della comunicazione visiva Bob Noorda, che passa in rassegna mezzo secolo di carriera in cui ha creato più di centosessanta marchi. In un lungo e appassionato dialogo con il graphic designer Francesco Dondina, Noorda ripercorre icone contemporanee che con il loro segno, dalla radicata impronta razionalista, hanno dato volto e identità all'industria e riconoscibilità ai nostri tragitti metropolitani. Una comunicazione senza tempo, quella di Noorda, come dimostra il fatto che molti dei loghi e dei progetti da lui disegnati sono sopravvissuti ai trend visivi degli ultimi decenni, rimanendo pressoché identici alle versioni originali: la segnaletica della metro di Milano e di New York, i loghi di Coop, Mondadori, Touring Club, Feltrinelli ne sono solo alcuni esempi. Dal libro emerge anche il forte rimpianto per un'Italia colta, aperta al nuovo, dove i dirigenti d'azienda erano Enrico Mattei e Adriano Olivetti; dove la cultura milanese era segnata dalla Pirelli di Gio Ponti e dalla Regione Lombardia di Piero Bassetti; dove architetti, designer e intellettuali si confrontavano tra loro e con il mondo, in una libera circolazione di pensiero e progettualità. La riflessione sul visual design non può eludere, secondo Bob Noorda, la necessità di riportare la cultura del progetto al centro del dibattito, dalle aule accademiche ai consigli di amministrazione, fino ad arrivare alle sedi della politica. Dopo la prima edizione del 2009, torna Una vita nel segno della grafica disponibile in questa rinnovata edizione di 184 pagine, di cui 48 a colori, con una selezione dei lavori più rappresentativi del grande maestro e un testo inedito di Massimo Vignelli, fondatore assieme a Noorda della agenzia nota a livello internazionale Unimark. Rivolto a tutto il mondo del visual design, appassionati, docenti, studenti di grafica e design, e naturalmente ai cultori di questa ormai leggendaria figura.

L'arte della scrittura costituisce uno dei nuclei portanti della nostra civiltà. Fondata nel 1991, l'Associazione Calligrafica Italiana ha avuto un ruolo pionieristico nel promuovere la cultura della calligrafia e della scrittura nel nostro paese, attività che continua tuttora attraverso workshop, conferenze e visite guidate. I calligrafi dell'Associazione, tutti professionisti di alto livello, hanno preparato questo strumento in risposta al crescente interesse verso una disciplina che dopo anni di abbandono è tornata a essere oggi più attuale che mai. Nel volume sono presentate le regole fondamentali per praticare la calligrafia e i modelli base di scrittura, oltre a una ricca gallery di applicazioni contemporanee dei calligrafi che hanno collaborato con ACI. Un testo fondamentale per avvicinarsi all'arte della bella scrittura.

Kathy Shorr, cresciuta a Brooklyn, ha comprato la sua prima auto a 17 anni e ha sempre amato guidare. La passione risale all’infanzia, quando ancora pochi residenti del suo quartiere possedevano un’auto. Da ragazza è stata ispirata dall’intraprendenza della nonna: unico membro della famiglia a possedere e guidare un’auto. Dopo la laurea Shorr trovò lavoro come autista di limousine, trasformando il veicolo in uno studio fotografico su ruote. Per nove mesi ha immortalato un’ampia varietà di passeggeri diretti a matrimoni, balli di fine anno, quinceañeras e altre celebrazioni. L’interno elegante della limousine serviva come spazio privato, permettendo a passeggeri provenienti da ceti popolari di abbracciare un temporaneo status di celebrità. Il lavoro di Shorr attinge così a due generi distinti nella storia della fotografia: il viaggio su strada – si pensi a California Kiss di Elliott Erwitt – e il ritratto in studio. Come le famiglie che raggiungevano il laboratorio di un fotografo per immortalare un’occasione speciale, i soggetti di Limousine entravano nell’auto con i loro abiti più eleganti per vivere un momento di celebrazione.

Da almeno una dozzina d’anni Luca Lattuga raccoglie e cataloga caratteri mobili in metallo e legno prodotti in Italia tra gli anni Venti e Quaranta del secolo scorso. Durante questa ricerca ha riscoperto uno stile ricorrente e coerente, finora poco tenuto in considerazione, che ha caratterizzato quel periodo. Sebbene diffuso all’epoca, questo stile proveniente dal basso, dalle officine tipografiche, è rimasto nell’ombra per decenni. Questi caratteri, meno noti, coesistevano accanto ai celebri tipi di fonderie storiche, come Nebiolo e Reggiani, sopravvivendo grazie alla loro versatilità ed economicità e godendo di una popolarità spontanea e diffusa capillarmente anche nelle province più isolate. Il volume raccoglie oltre cento specimen, suddivisi e raggruppati in categorie e sottocategorie. A ciò si accompagna una testimonianza dei curatori del libro: Veronica Bassini e Luca Lattuga, una disamina storica di Carlo Vinti e un approfondimento tecnico di Luciano Perondi.

"Alfabeti modernisti. Type specimens" illustra venticinque revival digitali basati su caratteri in legno e piombo prodotti in Italia negli anni Trenta e Quaranta del secolo scorso, documentando un lavoro di ricerca e valorizzazione che intreccia memoria e progetto e dà nuova voce a un capitolo poco esplorato della grafica italiana. Molto popolari all’epoca e oggi dimenticati, i caratteri sono stati recuperati da Luca Lattuga nell’arco di oltre dieci anni. Riproposti dalla fonderia caratteri CAST, acquistabili su c-a-s-t.com e disponibili anche su Adobe Fonts, questi caratteri geometrici, talvolta vernacolari, floreali, altamente espressivi, spesso d’ispirazione razionalista, raccontano un periodo cruciale della tipografia italiana del Novecento. Il loro revival in chiave digitale – frutto della selezione ricavata dalla collezione completa di Lattuga pubblicata nel volume Alfabeti Modernisti Italiani in concomitanza con l’uscita di questo campionario – restituisce a grafici e type designer pieno accesso a un patrimonio tipografico unico e prezioso.

Un'idea, nata un po' per caso, diventa un progetto fotografico, dai risvolti antropologici curiosi e interessanti: una sorta di 'monogamia' – quella con la propria l'auto – che alcuni possessori portano avanti per decenni, invecchiando insieme al mezzo meccanico, che viene così, poco a poco, assumendo quasi un'anima. La ricerca dei soggetti avviene principalmente in due modi: l'autore lascia piccoli messaggi su ogni vecchia auto che vede in giro per la città; di tanto in tanto ferma anche le persone alla guida di queste veterane. Inoltre parla del progetto a tutti quelli che conosce, chiedendo loro di indagare in famiglia e, a loro volta, di spargere la voce tra parenti e amici. Poi avviene l'incontro, per immortalare il trascorrere del tempo in questa particolare simbiosi, di fatto, tra uomo e macchina: nel lasso di tempo che intercorre tra 'ieri e oggi', infatti, si intrecciano le avventure e i ricordi di un'intera esistenza.

Un viaggio visivo e intimo tra le pagine dei taccuini di Francesca Biasetton, illustratrice e calligrafa di fama. Il volume si articola in vari nuclei tematici - viaggio, idee, natura, lettere - e raccoglie anni di lavoro, appunti, sperimentazioni e riflessioni grafiche nate dall’osservazione quotidiana e dalla pratica costante del disegno. La copertina stessa è parte dell’opera: ogni copia del libro è unica, con interventi originali realizzati a mano dall’autrice direttamente sui fogli macchina in fase di stampa e rilegatura. Il volume è quindi una porta d’accesso per entrare nell’affascinante fase di sperimentazione che precede il lavoro finito, strumento prezioso per osservare metodo e fantasia di una professionista del disegno e delle lettere. I taccuini, per Biasetton, vanno oltre la semplice raccolta di disegni, sono strumenti di indagine e racconto. Le sue pagine la trasformano la realtà in alfabeti visivi. I soggetti spaziano dalle impressioni di viaggio ai pattern decorativi, dagli elementi naturali alla composizione libera di lettere.

How Many Women Are in the Room? è una domanda simbolica e un invito a non abbassare la guardia sul tema della rappresentanza femminile, nel design come altrove. Il volume documenta la quinta edizione di AWDA, Aiap Women in Design Award, il prestigioso premio biennale internazionale dedicato alle designer della comunicazione visiva. Il titolo riprende proprio la domanda posta durante la cerimonia di premiazione, sottolineando la necessità di osservare con attenzione ruoli, spazi e linguaggi che ancora oggi vengono assegnati o negati. Progetti visuali di designer da tutto il mondo si affiancano a saggi, focus e interviste che attraversano temi legati a design e femminismo: lavoro, diritti, disparità, linguaggi, attivismo. Il volume si completa con saggi di attiviste, designer, studiosi e studiose internazionali che riflettono, attraverso il progetto visuale, su questioni legate al lavoro femminile, all’equità di genere e alle disparità culturali e sociali, insieme a interviste a protagoniste e protagonisti di ambiti come diritti civili, comunicazione, arte, giornalismo, politica e istituzioni. Il libro è un progetto in coedizione con AIAP.

Vida detenida raccoglie una serie di fotografie scattate da Pedro Almodóvar in uno spazio domestico e intimo, durante momenti di solitudine e contemplazione. Lontano dal set, Almodóvar scatta per compiere un gesto profondamente pop: trasformare oggetti comuni — bicchieri, fiori, piatti, utensili — in piccoli altari laici carichi di memoria e desiderio. Non sono semplici nature morte, ma still life, cioè ‘vita ferma’: ogni oggetto infatti conserva vitalità, reagisce alla luce e muta nel tempo. Si tratta di fotografie senza post-produzione, dove l’interesse è per l’emozione più che per la perfezione. Come scrive lo stesso Almodóvar: «Ciò che mi interessa è l’estasi del momento, essere vigile e catturare l’emozione dell’istante.» Questa tensione fragile e vibrante pervade ogni scatto, dove la bellezza del quotidiano si fa sacra, precaria e mai consolatoria.

Questo secondo volume prosegue il percorso di H83 Documenta, la collana di Habitat Ottantatré realizzata con Lazy Dog e curata da Annalisa Ferraro, con la direzione artistica di Zeno Massignan. La serie nasce per trasformare progetti espositivi in forme editoriali capaci di superare la dimensione effimera della mostra. Il volume accompagna la mostra OLTRE di Matteo Sanna, tenutasi dal 12 aprile al 13 settembre 2025. L’esposizione esplora il tema della fragilità psicologica, in un momento storico segnato da incertezze e rapidi mutamenti. L’artista accoglie questa complessità, trasformando il disagio in spazio di ascolto e possibilità, senza cedere a semplificazioni o stereotipi. Come nella precedente edizione, il libro non si limita a documentare, ma diventa esperienza autonoma, ibridando saggio, catalogo e libro d’artista. Ogni copia è resa unica dall’intervento manuale di Matteo Sanna su ciascuna delle 130 copertine, rendendo ogni volume un oggetto da attraversare e collezionare.

Questo libro nasce dalla volontà di raccontare gli oggetti disegnati dai fratelli Castiglioni, in particolare da Achille e Pier Giacomo, attraverso una chiave narrativa inedita. Lasciando spazio all’immaginazione, testi seriosi sono stati trasformati in racconti fantastici: delle vere e proprie fiabe pensate per adulti-bambini. Dietro ogni oggetto c’è una storia, un sogno, una relazione biunivoca con il suo creatore. Achille Castiglioni vedeva negli oggetti ‘anonimi’ un potenziale latente, raccogliendoli e lasciandoli maturare nella mente fino a farli diventare qualcosa di nuovo e straordinariamente reale. Questo processo creativo, fatto di continua ricerca e reinterpretazione, viene qui raccontato attraverso brevi storie che intrecciano stati d’animo, pensieri e il percorso progettuale di quegli oggetti che oggi chiamiamo ‘classici del design’. Le storie, accompagnate da illustrazioni, fumetti e fotografie, cercano di catturare l’essenza del processo creativo dei Castiglioni, unendo fantasia e realtà con freschezza e ironia, caratteristiche intrinseche alla famiglia. Ogni racconto si chiude con una scheda che riporta il lettore alla concretezza dell’oggetto, completando un viaggio che inizia dall’immaginazione e arriva alla realtà. Postfazione di Dario Scodeller.