Editoria & Spettacolo

Iperscene o Iper-realtà? Sulle orme dei due precedenti volumi "Iperscene 3" è una nuova fotografia in movimento di alcuni dei più significativi gruppi artistici della ricerca teatrale italiana, sempre più prolifica e non omologabile: Anagoor, Codice Ivan, CollettivO CineticO, Opera, Alessandro Sciarroni. Uno “sciame” di testi, interviste e materiali diversi, riflesso della comunicazione diversificata della società digitale o digitalizzata, per restituire l’immagine di un presente frammentato e instabile che rifiuta la logica della consequenzialità, e che rielabora continuamente il proprio rapporto con il passato e con il futuro. Come una radice che, sottoterra, si aggancia alle altre.

Quest’ultimo volume delle opere teatrali di Roberto Bracco (1861-1943) ripropone quattro drammi ("I fantasmi", "Il piccolo santo", "Gli occhi consacrati", "I pazzi") scritti e pubblicati nei primi due decenni del Novecento. Appartengono, quindi, alla piena maturità dell’autore napoletano e di fatto costituiscono – in considerazione del grave e lungo ostracismo del Fascismo – i suoi ultimi lavori. In essi, anticipò temi e situazioni che saranno ampiamente ripresi da altri autori nel corso del secolo, a dimostrazione dell’assoluta modernità del suo teatro. Partendo da una concezione tendenzialmente realista, riuscì ad assorbire gli stimoli provenienti dall’estero e a innestare sulla grande lezione di Ibsen le correnti espressioniste tedesche e simboliste francesi. Mescolando mirabilmente gli elementi, creò in questi ultimi drammi personaggi sempre meno influenzati dal naturalismo e sempre più immersi nel magma complesso del subconscio, e costruì vicende dove i tratti simbolici e interiori prevalgono sulla concretezza del reale.

Giuseppe Massa costruisce sapientemente atmosfere giocate sulla precarietà del vivere, sull'attesa disperante e senza futuro di una catarsi improbabile, nel segno, anzi, della tragedia. È così che, secondo un modulo di conversazione che spezza l’ordito piuttosto che favorirlo, l’artista ha scelto, una volta per tutte, la rovente temperatura inerziale cui condurre l’assenza di azione. Una pressione cui si soggiace – è la parafrasi di "Sutta Scupa" (2006), destinato a divenire emblematicamente il marchio della compagnia – per produrre discorsi sul vuoto, “sottovuoto”, che fanno argine al troppo pieno della “civiltà” della comunicazione in cui siamo immersi, in nome di una nostalgia prepotente per l'habeas corpus dello spazio scenico. Da "Kamikaze number five" (2010) a "Nel fuoco" (2012) passando per "Chi ha paura delle badanti?" (2012), ciò cui si assiste, infatti, è un requiem sul corpo come oggetto di svuotamento, di un disfacimento inesorabile cui opporre, come estrema risorsa, una resistenza sacrificale, carnale.

Lo slittamento del pensiero verso l'ignoto significa sondare il possibile fino all'estremo dell’impossibile: è il tema dell’impossibilità a fare da fulcro alle tre opere teatrali raccolte sotto il nome di “Iddi”, scritte e messe in scena da Rosario Palazzolo tra il 2007 ed il 2015. "Ouminicch'" (2007) ovvero l’impossibilità della scelta, l'impossibilità per l'uomo di liberarsi dal meccanismo imperfetto architettato dal destino, dalla società, dagli altri, da se stessi, da "iddi". "Letizia forever" (2013) è l'impossibilità della verità, perché non c’è risposta possibile all'impossibile che è l’essere umano. "Portobello never dies" (2015) è l'impossibilità della speranza per tre uomini rinchiusi in uno spazio a metà tra la vita e la morte, in un tempo che affonda nel non-tempo, in cui si inceppa il meccanismo della memoria e tutto diventa la figura di un radicale smarrimento epistemico nel caos dell'esistenza.

Il teatro italiano di ricerca degli anni Novanta ha anticipato temi, istanze e comunicazioni del nostro presente. La claustrofobia voyeuristica delle webcam, l’esasperata esibizione dei corpi, la regressione delle relazioni personali, il parricidio culturale, la contaminazione tra generi, saperi e medium erompono sulla scena di fine millennio grazie al lavoro coraggioso e oltraggioso dei protagonisti di questo libro. Pubblicato per la prima volta quasi vent'anni fa, "Nuova scena italiana" analizza e racconta i percorsi di quel teatro italiano anomalo e minoritario tra la fine degli anni Ottanta e l’affacciarsi del Duemila. Fulcro di questa ricognizione sono le esperienze radicali e imprescindibili della Socìetas Raffaello Sanzio, da cui gli autori partono per arrivare alle sperimentazioni dei Motus, ai progetti degli Artefatti, alle contaminazioni del Masque Teatro, senza dimenticare le esperienze di un teatro “a rischio” come quello di Delbono e gli attori-autori, le performance poetiche di Daria Deflorian o la visionarietà delle Albe o della Marcido. I contributi di Romeo Castellucci, Simone Derai, Viviana Gravano e Raimondo Guarino arricchiscono questa seconda edizione.

Jean Genet è lo scrittore che forse più di ogni altro ha eretto la rivolta a principio di vita e di scrittura e il pensiero a implacabile macchina di denuncia dei meccanismi di difesa attorno a cui l’uomo edifica le sue rassicuranti prigioni: prime fra tutte la patria e la morale giudaico-cristiana. Lo sradicamento personale si amplifica nella sua opera in un codice etico altro, che mina la pertinenza dei dispositivi sociali, politici, linguistici e sessuali in essere e le opzioni del suo stesso io. I saggi riuniti in questo libro testimoniano la varietà e la vastità delle prospettive che a trent'anni dalla sua morte convergono sulla sua figura.

Potere, amore, solitudini. Sono queste le tre parole che fanno da filo conduttore in tutta la drammaturgia di Giampiero Rappa. In questa raccolta di tre testi tra gli otto scritti in quasi vent’anni di teatro, vivono personaggi affascinati o soffocati dal potere. Uomini e donne che rincorrono il proprio sogno d’amore, individui soli, arrabbiati, ma alla ricerca di un abbraccio, di una pace interiore. Dietro e dentro i dialoghi serrati, i silenzi, le didascalie che spesso parlano più delle parole pronunciate dai personaggi, non mancano mai l’ironia e la comicità pronte a spezzare le tensioni o i conflitti interiori irrisolti di ognuno di loro. Una scrittura pensata su misura per gli attori quella di Rappa, e forse è questo il suo punto di forza. Scrivere ispirandosi a donne e uomini che hanno diversi respiri, corpi, caratteri, ma stessi sogni e desideri da realizzare.

Quinto volume dedicato a Feydeau che raccoglie testi di grande successo: "Sarto per signora", "A scatola chiusa", "Occupati di Amélie", "Léonie è in anticipo", "La Signora Sganarello". «Feydeau è – per molti versi – il creatore di quel genere di commedie che in Italia sono state battezzate col nome francese di "pochade" e che in Francia, invece, si definiscono "vaudeville". […] Una situazione burlesca, per lui, non può esistere se non in quanto ne debba generare un’altra ancor più ridanciana. Tutto sta ad entrare nel gioco, ma una volta presi nell'ingranaggio è impossibile non ridere».

Evelyne de la Chenelière è una tra le più importanti voci drammaturgiche in lingua francese. I suoi testi sono stati più volte adattati per la diffusione radiofonica e la sceneggiatura cinematografica. Il presente volume raccoglie tre delle sue pièces più interessanti e di maggior successo: "Fragole in gennaio", "Henri e Margaux", "Bashir Lazhar"; da quest'ultima è stato tratto il film "Monsieur Lazhar" di Philippe Falardeau, candidato ai Premi Oscar 2012 come miglior film straniero. Per la prima volta tradotte in lingua italiana, le opere raccolte in questa antologia, mirano a mettere in luce la straordinarietà della scrittura di Evelyne de la Chenelière e lo stile drammaturgico di un'autrice meritevole di essere apprezzata nella lettura, prima ancora che nella messa in scena.

In questo volume, sono raccolti i testi: "La mia cella frigorifera" (2011), in cui l'autore sembra aver voluto disegnare il suo teatro, sui ritmi della soap opera, lasciando molto spazio alla giocosità. La scrittura di cui Pommerat si serve e, attraverso la quale intreccia le fila della storia, è caratterizzata da componenti di suspense e profonda umanità; "La grande e favolosa storia del commercio" (2012), in cui ritroviamo tutti gli elementi del celebre racconto del vitello d'oro, rivisitato in chiave moderna. Ancora una volta, con Pommerat, nessuna denuncia, nessun giudizio morale. Quel che l'autore vuol mettere in luce, è solo la prigione in cui sono rinchiusi gli individui assoggettati da un "sistema"; "La riunificazione delle due Coree" (2013), in cui la storia si snoda attraverso venti episodi indipendenti che traggono spunto dal concetto di unificazione geografica per presentare l'impossibilità di riunificazione di due metà di un unico elemento, di un unico stato d'animo: il sentimento d'amore, presenza costante di ogni dimensione interiore della vita umana.

Dopo aver presentato in "Teatro I" alcuni testi degli ultimi decenni, che testimoniano della sua capacità di invenzione formale, e in "Teatro II" una selezione dalla sua produzione degli anni Settanta, decennio cruciale per il ritorno al teatro dopo anni di scrittura per la radio e la televisione e per l'incontro con modalità di lavoro collettive, è qui la volta dei suoi tre primi grandi successi. "Settimo cielo" (1979), commedia che dall'Africa coloniale si sposta nella Londra swinging della rivoluzione sessuale, mettendo in questione il costruirsi delle identità all'interno di rapporti di potere squilibrati; "Top Girls" (1982), sulla deriva disumanizzante del liberalismo thatcheriano e sul prezzo dell'ambizione, che per le donne in particolare può significare una accettazione quasi irriflessa di modelli maschili; e "Bei soldi" (1987), feroce eppur comico ritratto della Borsa di Londra e del mondo della finanza internazionale. Fa da ponte con il primo volume "Skriker, lo spirito della vendetta" (1994), che per il gioco inventivo con il linguaggio dell'eponima protagonista si apparenta allo sperimentalismo sempre più accentuato dell'ultima produzione di Churchill.

"Per quarant'anni Eugène Labiche ha fatto ridere i suoi contemporanei: è stato una forza, una forza benefica. La gioia è in effetti il tratto dominante di tutto il suo teatro, ed è questo a renderlo un teatro unico nel suo genere e molto originale. Altri autori, nelle loro rispettive epoche, si sono dimostrati gioiosi quanto Labiche, ma nessuno, come lui, possedeva quell'inesauribile gioia che, dall'inizio alla fine della sua opera, si è dimostrata la sua costante fonte d'ispirazione. È Labiche in persona che sembra aver composto le sue pièces con l'unico scopo di divertirsi e di divertire il pubblico". Il volume contiene: le commedie in più atti "Un cappello di paglia di Firenze", "Se ti becco, son dolori!", "La sensitiva"; gli atti unici "Una figlia sotto stretta sorveglianza", "L'affare della Rue Lourcine"; alcuni approfondimenti sullo stile teatrale dell'autore, sui personaggi dei suoi testi nonché l'elenco di tutte le opere.