Dario Cimorelli Editore

Dopo 25 anni di intensa attività di ricerca, raccolta e archiviazione dell’opera di Emilio Scanavino, portata avanti con rigore dall’Associazione Amici dell’Archivio Scanavino con l’obiettivo di proseguire il lavoro storico, la conservazione e la valorizzazione dell’eredità dell’artista, nasce a Milano la Fondazione Emilio Scanavino. Il volume ripercorre un momento fondamentale della storia dell’arte e del design, la partecipazione di Scanavino e di altri artisti di rilievo dell’epoca alla X Triennale di Milano del 1954, dedicando particolare attenzione alla sezione della ceramica, importante occasione di dialogo tra arte e design industriale. La pubblicazione è arricchita dai contributi dei due curatori Michel Gautier e Marco Scotini e di Luca Bochicchio, Lisa Hockermeyer e Stefano Setti - che approfondisce il contesto storico, artistico e teorico della Triennale del 1954 e il ruolo cruciale di Emilio Scanavino in quell’epoca.

Il volume presenta una selezione di opere realizzate dal 1945 al 2025 che testimoniano l’impegno morale dell’arte nel risvegliare le coscienze davanti agli orrori della guerra, ai campi di sterminio e alla lotta per la libertà. I lavori degli artisti Aldo Carpi e dei suoi allievi della corrente del Realismo Esistenziale (Guerreschi, Romagnanoni, Ferroni, Ceretti, Vaglieri, assieme a quelle di Vespignani e Sughi) riflettono il sentimento di una generazione devastata dalla guerra, ma determinata a ricostruire un futuro. Opere iconiche come le acqueforti di Pablo Picasso o i disegni di Renato Guttuso raccontano le atrocità e il valore della Resistenza. La figura umana diventa simbolo di sofferenza e deformazione nelle opere di Francis Bacon, che ispireranno tutta la successiva generazione di autori contemporanei della Nuova Figurazione Italiana, dove l’uomo vive una prigionia interiore, fra terrore e solitudine, perdendo il nome, il volto e la speranza.

Il volume presenta l’opera di Li Yongzheng (Bazhong, Cina, 1971), artista interessato alle trasformazioni sociali, politiche e culturali che riguardano il suo paese e il resto del mondo. Dalla performance art alle installazioni, dalla video art alla fotografia e alla pittura a olio, la potenza del suo lavoro risiede nell’attualità dei temi affrontati, nella bellezza dei paesaggi in cui sono ambientate molte delle sue opere e nella profonda empatia della sua visione. La pubblicazione presenta paesaggi desertici, ostili ma allo stesso tempo affascinanti, non per fuggire dalla realtà ma per affrontare, paradossalmente, questioni legate alle relazioni sociali e all’identità personale e comunitaria.

Il volume raccoglie l’intervento artistico di Gabriella Benedini sui celebri volumi della collana bianca Einaudi, trasformati in oggetti poetici attraverso gesti di collage, ritaglio e velatura. L’artista agisce sulle copertine, sulle introduzioni, sui frontespizi e talvolta sulle quarte, lasciando però intatto il testo poetico: non un commento, ma una giustapposizione, un passaggio silenzioso da un linguaggio all’altro. Le veline, con i loro colori tenui, istituiscono corrispondenze sottili; le carte acquerellate, trasparenti e leggere, si lasciano leggere come superfici porose, dai margini irregolari e sfrangiati, che evocano una natura altra, quasi simulata. I fogli si popolano di segni: alfabeti arcani, tracce ancestrali, mappe per rotte immaginarie. E tra simboli e intuizioni, emergono risonanze profonde, piccoli appigli al conosciuto – qualche lettera, qualche numero – in un universo visivo che invita alla deriva poetica.

Giovanni Fattori (1825–1908), protagonista indiscusso del movimento dei Macchiaioli, è stato uno degli artisti più significativi del panorama figurativo europeo dell’Ottocento che ha saputo dominare tutti i generi pittorici. Dalle prime ricerche sulla ‘macchia’ agli intensi ritratti, dai paesaggi en plein air ai soggetti di vita rurale e alle scene che esaltano la Maremma, alla straordinaria interpretazione dei soggetti militari, indagati sia nelle manifestazioni più solenni sia nei momenti più intimi della vita di guarnigione. A duecento anni dalla sua nascita, il Centro d’arte contemporanea XNL di Piacenza celebra il maestro con la mostra Giovanni Fattori 1825 - 1908. Il ‘genio’ dei Macchiaioli. Con 170 opere (di cui 100 dipinti e 70 tra disegni e incisioni), il volume racconta Giovanni Fattori offrendo una nuova interpretazione della sua figura e della sua opera. Paesaggi aspri, potenti scene di battaglia, ritratti intensi, contadini chini sulla terra e cavalli imponenti: ogni soggetto è colto con un’intensità quasi tattile.

Il volume si inserisce nell’ambito dei più recenti studi sugli scambi culturali ed economici italiani nel Novecento, in cui le relazioni con gli Stati Uniti d’America emergono come un caso esemplare, da indagare cercando nuove intuizioni sulle origini e gli sviluppi della globalizzazione. In tale scenario, che vide il contributo determinante di Carlo Ludovico Ragghianti, si crearono le condizioni per il sostegno e la valorizzazione della cultura artistica, progettuale e produttiva – artigianale e industriale – italiana, con rilevanti ripercussioni sulla composizione di un immaginario collettivo identitario ampiamente impiegato, per lungo tempo, nella promozione del designed and made in Italy. La pubblicazione, caratterizzata da un forte taglio interdisciplinare - opere pittoriche, scultoree e grafiche, oggetti d’arte applicata e di design, accessori di moda, disegni di allestimenti, prodotti e documentazioni-, analizza lo scenario appena delineato, affrontando temi come le relazioni politiche e culturali dell’Italia nel dopoguerra, le reti internazionali che videro coinvolti politici, critici, artisti e designers di speciale rilievo, nonché la storia di manifatture di pregio, alcune delle quali attive ancor oggi.

In occasione della mostra "Giovanni Fattori 1825–1908. Il "genio" dei Macchiaioli", il volume accompagna la sezione dedicata al contemporaneo, a cura di Paola Nicolin, con opere del fotografo Elger Esser (Stoccarda, 1967), grande interprete della relazione tra pittura e fotografia. Le 22 fotografie, prossime al linguaggio pittorico e caratterizzate da un affascinante equilibrio tra paesaggio e memoria, dialogano intensamente con il naturalismo ottocentesco di Fattori. Esse offrono una riflessione colta sul rapporto tra fotografia e pittura, un tema centrale nell’opera dell’artista tedesco cresciuto in Italia, che vede nel paesaggio una chiave di accesso alla relazione tra sé e il mondo, affermandosi oggi come uno dei suoi principali interpreti. Al tempo stesso, le fotografie amplificano l’esperienza del pubblico, creando nuove forme di coinvolgimento e appartenenza al patrimonio culturale.

Il volume, dedicato al pittore Andrea Solario (1465-1524), uno degli interpreti più originali del Rinascimento lombardo, accompagna un progetto espositivo senza precedenti. Frutto di una collaborazione scientifica con il Museo del Louvre in occasione del 500enario della morte, la mostra riunisce per la prima volta una selezione di circa 25 opere provenienti da prestigiose collezioni di Italia, Francia e Inghilterra. La pubblicazione presenta il progetto scientifico che punta a riscoprire Andrea Solario attraverso analisi diagnostiche avanzate e restauri accurati. Gli otto dipinti conservati al Museo Poldi Pezzoli, insieme a opere in prestito dal Louvre e altre collezioni, rappresentano infatti il filo conduttore per esplorare l’evoluzione del maestro, dalla giovinezza agli anni della maturità.

In concomitanza con la presentazione degli importanti lavori di restauro del Parco, la Fondazione Magnani Rocca presenta il volume dedicato al tema floreale. Un catalogo corale che, attraverso opere provenienti da musei, istituzioni pubbliche e collezioni private, rende testimonianza dell’ampia fortuna che un soggetto semplice ma simbolicamente complesso come il fiore ha avuto nella poetica di un numero vastissimo di artisti. Un ricchissimo bouquet, composto di capolavori “floreali” dei maggiori artisti italiani del Novecento.

Al centro del volume Women Power c’è l’universo femminile, immortalato in prima persona dalle autrici e degli autori di Magnum Photos. Diciotto sguardi di differenti generazioni e provenienze geografiche che hanno raccontato i grandi cambiamenti degli ultimi settant’anni. All’inizio degli anni cinquanta, la storica agenzia ammette, infatti, le prime due fotografe, l’austriaca Inge Morath e l’americana Eve Arnold, dando nuovo impulso al modo di fare e di intendere il fotogiornalismo. Nel corso dei decenni successivi, le donne diventano sempre più protagoniste attive della narrazione della realtà. Attraverso il loro sguardo, nel racconto dell’esperienza umana, la vita dei singoli si intreccia con le grandi vicende dell’attualità, e la Storia diventa il sentiero lungo il quale scorrono infinite storie, raccolte e narrate in ogni angolo del mondo.

Il volume presenta un nuovo lungo viaggio tra capolavori, che ricostruisce la progressiva definizione della consapevolezza di sé dell’artista nella storia dell’arte. L’artista si fa metafora, protagonista e immagine del proprio tempo. L’artista recita, si mette in mezzo, sbuca da una sua opera che parla d’altro: in mezzo a un racconto mitologico, a una storia sacra, a un evento storico. Come fanno Giovanni Bellini, Tintoretto, Lavinia Fontana, Diego Velasquez, Sofonisba Anguissola, Lotto, Pontormo, Parmigianino, Rembrandt, Tiziano, Hayez, Böcklin, De Chirico, Balla, Sironi, Bacon fino a Bill Viola e Chuck Close. La pubblicazione racconta una storia in immagini offrendo una visione affascinante e articolata di uno dei temi più universali e significativi nell’arte, in cui l’immagine funziona da doppio del soggetto, come nel mito di Narciso ripreso da tutta la storia della pittura e della letteratura fino ad approdare, nel Novecento, alla psicoanalisi freudiana.

Fat Boy è il personaggio che Christoph Radl (San Gallo, Svizzera, 1954), direttore artistico e grafico, ha costruito lasciandosi ispirare dalle immagini che la civiltà precolombiana dei Mimbres ha impresso sulla sua produzione ceramica. Questa curiosa figura diventa protagonista di un bizzarro viaggio nella storia dell’arte, assumendo – attraverso il gesto pittorico dell’artista – pose e atteggiamenti riconducibili ai grandi maestri e alle loro opere. Grazie a un approccio raffinato e minimalista, che bilancia tradizione e modernità, il lavoro di Radl riflette una profonda comprensione del patrimonio culturale unita a un tocco innovativo. È riconosciuto, non solo in Italia ma a livello internazionale, come una figura di spicco nel campo del design per la sua capacità di fondere elementi tradizionali e contemporanei in una narrazione visiva coesa.