Maretti Editore

"Varie sono le componenti che possono spingere un artista ad intraprendere un nuovo progetto. Esso, infatti, può nascere dalla sollecitazione di un incontro, dal suggerimento di un luogo, da uno stato d’animo, da una forte emozione o dalla necessità di riconnettersi con un mondo arcaico. [...] È nato, quindi, un nuovo progetto, "Incontro con gli Etruschi", che amplia in maniera significativa il progetto precedente. L’incontro ravvicinato con le vestigia di quelle popolazioni mi ha fatto rivivere in modo più intenso i loro luoghi, la loro cultura, i loro vissuti e mi ha proiettato anche nel mondo delle loro divinità. Alle divinità etrusche è infatti dedicato il corpus di opere scultoree eseguite in terracotta patinata. Gli dèi etruschi, da me realizzati, non riprendono l’iconografia tradizionale, in quanto ho puntato più su una valenza espressiva del loro viso, cercando di dare vita ai loro sguardi, alle loro espressioni, ai loro attributi iconografici. Ho invece riproposto la cultura etrusca con teleri, denominati "Metafore di vissuti" e realizzati in maniera disegnativa con una moltitudine di segni quasi ossessiva."

Il quadro di Giuseppe Biasio è un oggetto denso, quasi geologico nella sua complessità di elementi, uno scandaglio visivo che seleziona scarti dal consumismo del pianeta. I fondali espressivi di puro colore armonizzano la sintesi compositiva, anche merito di un grigio dominante che sostiene i suoi segni rapidi, i colori atmosferici, le materie frammentarie. Quel grigio perlaceo è lo specchio di una condizione spirituale, la pagina permeabile che ascolta e modula le ambizioni dell’umanità, i sogni spezzati, gli incubi ricorrenti, gli effetti del progresso. Perché Biasio dimostra lucida coerenza morale: i suoi frammenti figurativi reclamano minori diseguaglianze sociali, maggiore ripartizione dei beni, minore spreco di risorse, maggiore distribuzione energetica. [...]

"Il percorso espositivo si apre con una cortina di perline, un velario traslucido, simbolo di passaggio da una condizione all'altra, da una vita terrena a una ultraterrena, dal passato al presente, dall'essere al non essere. I tintinnii delle perline, dipinte con smalti sintetici per la cosmetica delle unghie, risuonano al passaggio del visitatore come campanelli, come mantra, come preghiere nello spazio silente del museo. Il disfarsi della tenda al nostro passaggio e il suo ricomporsi sottolinea come l’apparenza mutabile delle cose sia in effetti immutabile. Reiterazione perpetua della possibilità di avere una seconda chance. La frase, scritta in trasparenza con le perline, recita parzialmente così: “...Colui che pratica un credo politico, religioso o morale non sa o anche nasconde le vere ragioni per cui lo difende...” enunciando uno stato di incertezza ma soprattutto di incoscienza. L'ambiguità del soggetto che “pratica” senza prendere una posizione definita, premette la possibilità di sovvertire il proprio status e di cambiare credo politico, religione o moralità e, per similitudine, anche quello artistico.

Ha più di un significato l’apertura di questa mostra dedicata ai manifesti cubani di film italiani, in due diverse sedi dell’Avana. Il primo è legato alla possibilità di confrontare i diversi stili illustrativi che servono a un medesimo scopo. Attraverso la comparazione diretta dell’originale italiano (manifesto o locandina) e il poster, di volta in volta realizzato da un artista dell’Istituto Cubano di Arte e Industria Cinematografica, appare evidente la qualità e la straordinaria bellezza. A confronto con l’approccio diretto, spesso meccanicamente riproduttivo e comunque, quasi sempre, banalmente referenzialistico dei manifesti italiani, gli artisti cubani esercitano appieno il diritto alla libera interpretazione, dispiegando sofisticate tecniche illustrative che rivelano la capacità di assimilare ed elaborare influenze e citazioni colte provenienti dalle più disparate esperienze artistiche e comunicative del Novecento. Il risultato è sorprendente e va al di là della semplice efficacia evocativa per farsi interpretazione personale e originale del senso più profondo del film al quale ci si riferisce.

La settimana dell’opening del Centro Pecci in Prato si apre con "ICASTIC 2016". Anything to declare? Nulla da dichiarare?–titolo di ICASTIC-campeggia tradotto in varie lingue all'ingresso di ogni frontiera nazionale, denotando il criterio della riconoscibilità quale elemento imprescindibile per l’ingresso in un nuovo paese, a documentare l’accettazione di altri, differenti soggetti umani concepiti secondo una regolamentazione civile. La frontiera è un confine che la nostra dimensione morale non può non concepire, sebbene possa accettare o rifiutare, poiché l’essere umano sente la propria limitatezza, e l’avverte come confine. Oggi, nella cultura del mondo liquido, è ancora possibile considerare il concetto di “frontiera” ostativo all'interscambio di possibilità, strutture, identità globali? Oppure è sensato e perfino giusto che certe separazioni persistano; che gli stranieri continuino a essere “altri”, e a farci sentire tali. La cultura domanda, la politica reagisce, l’arte-con ICASTIC 2016-prova a rispondere con interventi creativi. Quanti retropensieri celati in questa frase! “Cosa trasporti? In che cosa credi? Cosa vuoi? Chi sei? Da dove vieni e dove vai?”.

"Raccontare la pittura italiana contemporanea, quella nata dopo la Transavanguardia, durante la magnifica confusione degli anni Novanta, quando tendenze e linguaggi assorbivano le fondamenta di un accesso elettronico al mondo reale. Close up propone un viaggio collettivo dalla doppia anima: ora con artisti che iniziarono a esporre nei Novanta, giovani promesse del tempo che adesso tirano le somme del loro investimento disciplinato; ora con artisti emersi nell'ultimo decennio ma già consapevoli del giusto uso linguistico, di un approccio confidenziale con l'implicito tecnologico e la memoria doverosa. Il risultato disegna una selezione eterogenea, ampia nei temi affrontati, dentro e oltre i generi, amalgama di operosità individuali dai crescenti riscontri istituzionali, gli artisti sembrano tanti ma sono il panorama selettivo di un radar ultraventennale: li ho individuati con parsimonia e consapevolezza, bilanciando i valori dell'opera con la qualità del percorso espositivo, critico, editoriale e mercantile."

"Che cos'è il segno, questo elemento primordiale, elementare, fondante dell'intero sistema del reale, così come siamo abituati a conoscerlo e a praticarlo fin dagli albori di tutta la storia della civiltà - che è, anzitutto, storia di segni e di simboli, oltre che dei sentimenti e delle pulsioni degli uomini, che di quei segni e di quei simboli si sono serviti per costituire tra loro situazioni e relazioni, vuoi d'amicizia, d'amore, di potere, di alleanza, anche di guerra, d'odio e d'inimicizia, e infine di ragionamento e di traduzione artistica e poetica sul mondo stesso? Che cos'è, dunque, questo grafismo elementare, apparentemente semplice e allo stesso tempo complessissimo da interpretare, non sempre traducibile con i parametri del "verosimile" o del "realistico", non sempre incasellabile in categorie prestabilite, che è appunto il segno, il segno puro, libero, spontaneo strana, meravigliosa astrazione che rimanda, seppure in via metaforica, al nocciolo fondante della nostra esistenza terrena, al nostro segreto rapportarci con gli altri e col mondo."

L'angioletto ha uno sguardo bonario e riflessivo; punta gli occhi verso l'alto, a guardare cosa non è dato saperlo. Interroga chi a sua volta lo guarda: coloro che entrano nel suo mondo. Ben piantato a terra, con le ali un po' piccole per volare e le mani appoggiate sul corpo, questa figurina era una presenza costante sul tavolo d'ingresso dell'abitazione toscana di Bischoff. Viveva con lui come sentinella che certo non intimoriva ma che molti dubbi consegnava a ogni suo interlocutore. Dubbi non dissimili da quelli che poneva l'arte di Bischoff. Forse per questo lo custodiva e forse per questo rappresentava sia il genius loci del luogo sia il daimon della sua poetica. L'inafferrabile sembra essere il lievito dialettico su cui cresce la personalissima relazione di Bischoff con l'arte. Una posizione originale che si manifesta fin dalla scelta di stare nel campo del gioiello contemporaneo e che si alimenta di forme convenzionali senza essere tradizionale, proprio perché vuole riportare a nuova forza quel flusso vitale che animava l'intreccio tra arti maggiori e arti minori.

"Questa monografia dal titolo Roberto Paolini. I Gioielli della Collezione si pone a coronamento dell'omonimo progetto d'eccellenza che, grazie alla preziosa collaborazione con Sotheby's, ha inteso valorizzare l'universo delle sculture gioiello di mio padre Roberto Paolini. L'opera propone una ricognizione scientifica di questa straordinaria produzione risalente agli anni Ottanta e Novanta. Al/dialogo/tra le/sculture-gioiello e le architetture/museali è dedicato/il cuore di questa/monografia/-/Backstage at the Museum/-/che documenta con un reportage fotografico il viaggio attraverso prestigiose città italiane che ha visto come coprotagonisti: Museion di Bolzano, Mart di Rovereto, Palazzo Fortuny di Venezia, MAMbo di Bologna, Macro di Roma, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, la Fondazione Pier Luigi e Natalina Remotti di Camogli, la Collezione Tullio Leggeri - ALT di Bergamo e la Collezione Ernesto Esposito di Napoli.Il mio pensiero finale non può non andare a mio padre perché grazie alla sua instancabile ricerca e alle sue capacità originali e straordinarie tutto questo non sarebbe stato possibile." (Elena Paolini, Direttore Archivio delle opere di Roberto Paolini)