Magonza

Attraverso una sequenza inedita di opere di Josef Albers, il volume – realizzato in occasione della mostra al Museo Villa dei Cedri di Bellinzona (curata da Marco Pierini e Carole Haensler) – si snoda tra grafiche, gouaches, disegni preparatori e dipinti, rintracciando i rimandi e i rapporti tra la pratica del bozzetto e dello schizzo preparatorio e il lavoro concluso, in particolare la serie "Homage to the Square", indagando la tensione verso una «sensibilità» cromatica rigorosa. Quasi con approccio ritualistico, Albers sceglie infatti la modulazione della luce e delle cromie, con perseveranza ostinata e spirituale, declinandola in motivi, forme, processi infiniti e insieme invariabili. Nel catalogo, oltre alle ricerche storico-artistiche dei curatori, anche un testo mai tradotto prima d’ora di Max Bill, che tra il 1927 e il 1929 fu allievo dell’artista al Bauhaus di Dessau.

Attraverso una sequenza inedita di opere di Josef Albers, il volume – realizzato in occasione della mostra al Museo Villa dei Cedri di Bellinzona (curata da Marco Pierini e Carole Haensler) – si snoda tra grafiche, gouaches, disegni preparatori e dipinti, rintracciando i rimandi e i rapporti tra la pratica del bozzetto e dello schizzo preparatorio e il lavoro concluso, in particolare la serie "Homage to the Square", indagando la tensione verso una «sensibilità» cromatica rigorosa. Quasi con approccio ritualistico, Albers sceglie infatti la modulazione della luce e delle cromie, con perseveranza ostinata e spirituale, declinandola in motivi, forme, processi infiniti e insieme invariabili. Nel catalogo, oltre alle ricerche storico-artistiche dei curatori, anche un testo mai tradotto prima d’ora di Max Bill, che tra il 1927 e il 1929 fu allievo dell’artista al Bauhaus di Dessau.

«L’immaginazione è l’anticamera, un po’ in disordine, di quella stanza dove poi l’opera appare» (Giulio Paolini). "Sale d’attesa" è il titolo di una serie di collage che Paolini ha realizzato attorno ad una stessa scena: un divano e due poltroncine, del suo studio torinese in via Po, che divengono lo sfondo di immaginazioni, visioni, personaggi – leggii e cavalletti, mondi accartocciati e disegni, pianeti e colori. “Attesa” come interstizio significante in cui l’arte “attende” (nel significato di “applicarsi”). Come nelle parole di Andrea Cortellessa, autore del testo in catalogo, «... le Sale d’attesa sono nella sua opera il luogo della massima concentrazione meta-pittorica e, al tempo stesso, della massima clausura nell’ "intérieur". ... Come nel cosmo di Blanchot e in quello di Borges ..., in quello di Paolini il luogo in cui si "dimora" compie il miracolo di "arrestare" il tempo e, insieme, annullare l’identità individuale». Il volume è pubblicato in occasione dell’omonima mostra alla Repetto Gallery di Londra (20/06 - 20/09/2019), dove sono stati selezionati 25 collage del lavoro dell’artista del 2011-12, riprodotti nel libro e accompagnati da schede di approfondimento.

Sale, tempera al latte, pastels “à l’écu” e pastelli a olio, sono i materiali e gli strumenti con i quali Pier Paolo Calzolari ha composto le opere su carta Torchon Arches montata su tavola riprodotte nel volume – pubblicato in occasione della mostra alla Repetto Gallery di Londra (1 - 25 ottobre 2019). Alle sue tradizionali acque tempestose, inquiete e sperimentali, Calzolari sembra controbilanciare in questi nuovi lavori una calma apparente, che in realtà nasconde una forte tensione, una personale ansia. Eppure, per merito dei colori gioiosi e vivaci, il risultato che ne scaturisce è di singolare tenerezza, di felice grazia. Attraverso questo inedito universo “pittorico”, tessuto in un candido ordito di gesti gentili e raffinati, in un cromatismo insieme brillante, energico e umile, il suo precedente “grido di bronzo”, acquistata una nuova saggezza, si trasforma in un policromo canto zen.

«L’immaginazione è l’anticamera, un po’ in disordine, di quella stanza dove poi l’opera appare» (Giulio Paolini). "Sale d’attesa" è il titolo di una serie di collage che Paolini ha realizzato attorno ad una stessa scena: un divano e due poltroncine, del suo studio torinese in via Po, che divengono lo sfondo di immaginazioni, visioni, personaggi – leggii e cavalletti, mondi accartocciati e disegni, pianeti e colori. “Attesa” come interstizio significante in cui l’arte “attende” (nel significato di “applicarsi”). Come nelle parole di Andrea Cortellessa, autore del testo in catalogo, «... le Sale d’attesa sono nella sua opera il luogo della massima concentrazione meta-pittorica e, al tempo stesso, della massima clausura nell’ "intérieur". ... Come nel cosmo di Blanchot e in quello di Borges ..., in quello di Paolini il luogo in cui si "dimora" compie il miracolo di "arrestare" il tempo e, insieme, annullare l’identità individuale». Il volume è pubblicato in occasione dell’omonima mostra alla Repetto Gallery di Londra (20/06 - 20/09/2019), dove sono stati selezionati 25 collage del lavoro dell’artista del 2011-12, riprodotti nel libro e accompagnati da schede di approfondimento.

I simboli dei social network più famosi – Twitter, Facebook, Linkedin, Google, WhatsApp, Instagram –, insieme ai segni più riconoscibili dei nuovi codici della comunicazione, si appropriano dello spazio fisico, alla stregua di quello già conquistato nella vita di ognuno di noi, configurando un vero e proprio “reame”. Il volume raccoglie una ampia selezione di immagini delle serie di lavori più importanti di Saverio Todaro, in occasione dell’omonima mostra al MUSMA di Matera (6 luglio - 29 settembre 2019, a cura di Piero Gagliardi e Simona Spinella). Nel libro anche un inserto che ripercorre l’incursione di Luca Centola, "Relazione di dispersione", che riflette attraverso delle immagini fotografiche sulle tematiche proposte. «Saverio Todaro plasma la materia e la sua arte diventa uno specchio, un black mirror ... capace di farci intuire come le azioni e i gesti quotidiani sociali e individuali siano un processo plasmante continuo che gli esseri umani subiscono nella loro vita» (Piero Gagliardi).

Sale, tempera al latte, pastels “à l’écu” e pastelli a olio, sono i materiali e gli strumenti con i quali Pier Paolo Calzolari ha composto le opere su carta Torchon Arches montata su tavola riprodotte nel volume – pubblicato in occasione della mostra alla Repetto Gallery di Londra (1 - 25 ottobre 2019). Alle sue tradizionali acque tempestose, inquiete e sperimentali, Calzolari sembra controbilanciare in questi nuovi lavori una calma apparente, che in realtà nasconde una forte tensione, una personale ansia. Eppure, per merito dei colori gioiosi e vivaci, il risultato che ne scaturisce è di singolare tenerezza, di felice grazia. Attraverso questo inedito universo “pittorico”, tessuto in un candido ordito di gesti gentili e raffinati, in un cromatismo insieme brillante, energico e umile, il suo precedente “grido di bronzo”, acquistata una nuova saggezza, si trasforma in un policromo canto zen.

Massimo Recalcati, partendo dall'interpretazione del "Grande Cretto Gibellina" – “sudario” bianco che ricopre i resti della città della Valle del Belice – legge l’intera opera di Alberto Burri rintracciando nella ferita il tema che unifica la ricerca continua e differente dell’artista. Sacchi, ferri, plastiche sono materie costantemente “traumatizzate ed offese”, all'interno di un movimento formale ed estetico equilibrato e calibrato. Spirito e materia coincidono nella loro sostanza e, analogamente alle “indimenticabili” ferite inferte dalla storia (in copertina l’opera "Crocifissione" del 1953), le fenditure, gli strappi e le lacerazioni delle opere di Alberto Burri indissolubilmente saldano la bellezza alla morte. Nel volume, oltre ad un apparato iconografico accuratamente selezionato, anche il testo di Aldo Iori, ad aggiungere un taglio critico, filosofico e storicoartistico alle interpretazioni dell’opera burriana.

Il volume presenta dieci nuovi lavori ispirati a opere di Medardo Rosso, realizzati da Barry X Ball, uno dei maestri più interessanti della scultura internazionale contemporanea. L’artista “reinventa, e quasi rivive” alcuni tra i capolavori di Medardo Rosso conservati nelle collezioni italiane più prestigiose, utilizzando materiali traslucidi, evocativi, preziosi, che mantengono di quelle opere la stessa carica energica e misteriosa – come la calcite dorata, l’onice iraniano rosa e bianco, o l’onice bianco messicano. Il catalogo, di cui è disponibile sia un’edizione in lingua italiana che una in lingua inglese, è pubblicato in occasione dell’omonima mostra a Ca’ Pesaro, Venezia, curata da Elisabetta Barisoni in collaborazione con Studio Barry X Ball, New York, e Fergus McCaffrey Gallery (10 maggio - 22 settembre 2019).

Sandro Chia, uno dei più noti protagonisti della Transavanguardia, nel 2010 «crea il proprio esercito della salvezza». Guerrieri, arcieri e cavalli in terracotta colorata sono l’eco reinterpretato del noto esercito rinvenuto in Cina, a Xi’an, e realizzato nel III secolo a.C. per il mausoleo di Qin Shi Huang. Le sculture policrome dell’artista toscano – come dichiara il curatore del libro Alberto Fiz – diventano icone della contemporaneità, pronte ad avventurarsi verso una seconda vita. Chia interviene senza freni inibitori; i colori intensi s’insinuano nelle pieghe della materia, e la pittura «non si limita alla semplice decorazione, ma diventa complice, tanto da sviluppare un processo di trasformazione che intacca la natura stessa dell’oggetto, offrendogli un plusvalore estetico». Il volume, bilingue (italiano e inglese), è il catalogo della mostra "Sandro Chia. L’esercito dell’imperatore" (Area\B di Milano, 17 maggio - 19 luglio 2019, a cura di Alberto Fiz) ed è arricchito da un vasto repertorio fotografico delle opere di Chia, da una serie di scatti dello scavo archeologico originale e dagli apparati biografici e bibliografici dell’artista.

Il volume, pubblicato in occasione della mostra "Luis Gomez de Teran. Anche quando l’alba non c’era", presso il MUSMA di Matera (5 maggio - 30 giugno 2019), è il racconto che l’artista venezuelano ha dedicato alla Città dei Sassi e alle sue frenetiche trasformazioni. Le opere – che nascono nella materia ed invitano lo spettatore alla pazienza, all’empatia e alla riflessione – sono realizzate in plexiglass e in cemento, accendendo una dialettica ambivalente tra significati e materiali. È infatti «sui contrasti che si basano le vite, tra corpo e spirito, tra gentilezza e cattiveria, tra ciò che ci costringiamo a essere e ciò che vorremmo essere», come dichiara l’artista. Il catalogo, in lingua italiana e inglese, ripercorre attraverso le immagini il disegno narrativo pensato per gli spazi del museo; completano l’opera un’intervista e due testi critici.

Curato da Bruno Corà, il catalogo – presentato in occasione della mostra "Mario Surbone. Incisi 1968-1978. Apologhi aurei della divisione e dell’unità" tenutasi presso il CAMUSAC di Cassino dal 14 dicembre 2018 – restituisce l’esperienza artistica di Mario Surbone, tra i protagonisti dell’astrattismo sempre apprezzato dalla critica. Il volume propone uno scelto repertorio di opere che rivelano il fervore di ricerca inquieta dell’artista a partire dalla metà degli anni Sessanta. L’incisione e il taglio di carta, cartone e metallo nei suoi lavori provocano una divisione oggettiva del materiale che «non solo risuona della separazione, ma persino del ritorno all’unità e all’integrità». Essi inoltre evidenziano uno degli aspetti distintivi di questa particolare produzione: la riscoperta del rapporto tra luce e ombra che «scaturiscono in antinomia congenita ma senza conflittualità, al contrario in armonia, rivolta a dar vita a figure della mente». Il libro, con testi in lingua italiana e inglese, si conclude con tre sezioni dedicate alla biografia dell’artista, alle esposizioni e ad una bibliografia selezionata.