Centro Di

La mostra su Stefano di Giovanni detto il Sassetta e il suo tempo nasce come un'iniziativa indispensabile per approfondire la conoscenza del patrimonio storico-artistico del Museo di San Pietro all'Orto a Massa Marittima, dove si conserva un "Angelo annunciante" dipinto dal maestro senese per un polittico oggi disperso. Per la mostra sono state riunite ben 26 opere di dimensioni piccole e medie, che hanno permesso di formare la prima mostra monografica sul maestro senese e di rileggere il suo percorso artistico alla luce delle recenti acquisizioni critiche prodotte dalla storiografia, ma anche generate dai restauri. Il primo è stato riservato alla "Madonna in umiltà", proveniente ab antiquo dalla pieve di San Giovanni Battista a Basciano, che si è confermata come uno splendido 'manifesto' dell'attività iniziale del Sassetta; il secondo è stato un intervento di 'rivelazione', che ha permesso di recuperare sotto una completa e deturpante ridipintura di età tardo barocca un'altra affascinante "Madonna col Bambino" dell'attività matura del pittore. Il catalogo offre l'occasione per tracciare un profilo di questo straordinario pittore, che seppe recuperare la lezione tecnica e stilistica dei grandi maestri del primo Trecento, come Simone Martini e Ambrogio Lorenzetti, ma tenendosi aggiornato su quanto stavano facendo i protagonisti del momento della pittura in Toscana, come Gentile da Fabriano, Masolino da Panicale e Masaccio. Leggendo il profilo e le schede delle opere del Sassetta si potrà tracciare in filigrana anche la sua fortuna dal Novecento fino ai nostri giorni, partendo dalla lettura decadentistica e orientaleggiante di Bernard Berenson, che Roberto Longhi (1940) definì sprezzantemente "pseudo buddistica", per passare alle prime ricostruzioni filologiche del catalogo (Robert Langton Douglas, Frederick Mason Perkins, Giacomo De Nicola), raggiungere la fulminante definizione storica nell'ambito della pittura toscana del primo Quattrocento e la pulizia filologica del suo catalogo suggerita dal Longhi (1940), approfondire gli studi con le monografie di stampo formalistico di John Pope-Hennessy (1939) e di Enzo Carli (1957), per approdare di fronte al vasto pubblico con tre importanti mostre, dove il maestro senese ha avuto un ruolo significativo ("Il gotico a Siena", Siena 1982, con la versione avignonese del 1983; "Painting in Renaissance Siena", New York 1988; "Da Jacopo della Quercia a Donatello. Le arti a Siena nel primo Rinascimento", Siena 2010) e giungere infine agli interventi specialistici dei tempi recenti, che hanno indirizzato le ricerche tanto sulla documentazione e sulle funzioni delle opere quanto indagato sulle complesse tecniche pittoriche dei dipinti. Per presentare un profilo sensato del Sassetta occorreva anche dare uno sguardo al contesto in cui si trovò ad operare. Nel catalogo si rimanda ai modelli fiorentini con alcune immagini essenziali, mentre per l'ambiente senese si è avuta la possibilità di rappresentare la produzione di artisti che mantennero alto il livello della scuola locale, percorrendo le stesse linee di interesse seguite dal Sassetta e confrontandosi necessariamente con il suo ammirevole e condizionante esempio.

Il volume rappresenta un viaggio ideale nei luoghi del Nord Italia, attraverso paesaggi, temporalità e temi apparentemente distanti tra loro. Nei 61 contributi in onore di Alessandro Nova, le colleghe e i colleghi, le amiche e gli amici, le studentesse e gli studenti, spaziano dalla pittura all'architettura, dalla fotografia al cinema fino alla poesia, sempre con il medesimo intento di generosità e amicizia, creando un coro uniforme di voci e visioni. Muovendosi a ritroso nel tempo, dalla contemporaneità all'antichità, le autrici e gli autori hanno scelto per i loro contributi chi un taglio più ravvicinato, fenomenologico e/o iconografico, chi un approccio più vicino alla storia materiale e culturale delle idee. Nonostante questa polifonia trans-storica e multidisciplinare, è stata scelta una nota dominante, attraverso il focus geografico, ma anche esistenziale: l'area del Nord Italia. Ciascun contributo affronta un episodio di cultura visiva legato a questa area geografica, illuminando la complessità storico-artistica, culturale, sociale e politica di una regione verso la quale Alessandro Nova ha rivolto spesso i suoi studi e che ha avuto modo di esplorare con i suoi colleghi e amici. Il volume contiene saggi in italiano, in inglese e in tedesco, tre lingue e tre culture accademiche nelle quali Alessandro Nova ha vissuto e lavorato, facendole dialogare insieme. Questa scelta rispecchia anche l'esperienza di chi non ha mai perso di vista l'importanza di una rigorosa riflessione sui metodi del linguaggio, o meglio sulla pluralità di linguaggi della Storia dell'arte.

Sonus 1 Firenze inaugura la prima collana dedicata all'iconografia musicale presente nei musei italiani. Ideata e curata da Barbara Aniello, Sonus nasce allo scopo di rivelare la bellezza di sculture, pitture, ricami, affreschi, mosaici a soggetto musicale delle più belle città italiane. Sonus 1 Firenze è un catalogo di un percorso itinerante e interattivo che si articola tra il visivo e il sonoro e che, partendo dal Museo dell'Opera del Duomo, si snoda tra il campanile e la cattedrale di Santa Maria del Fiore e culmina nel battistero di San Giovanni. Grazie a risorse multimediali che permettono di ascoltare gli strumenti raffigurati nei diversi monumenti, il visitatore potrà non solo contemplare, ma anche udire il suono di liuti, vielle, trombe e cimbali qui effigiati.

Il catalogo, a cura dello studioso Miklós Boskovits, è il secondo della serie e presenta alcune delle opere d'arte di una della collezioni private più prestigiose del mondo che continua tuttora a crescere e a svilupparsi. 40 opere di importanti artisti, tra i quali Taddeo Gaddi, Filippo Lippi, Lorenzo di Credi, sono descritte e analizzate da schede realizzate da autorevoli studiosi di storia dell'arte. Il libro è corredato da illustrazioni a colori e in bianco e nero delle opere in oggetto e di quelle di confronto ed è completato da un'esauriente bibliografia, dall'indice dei nomi e dei luoghi.

A otto anni dalla pubblicazione del volume, in due tomi, sulla Lombardia, esce l'attesissimo terzo volume dedicato a Piemonte e Valle d'Aosta, anch'esso in due tomi. La serie, diretta dallo studioso Bert W. Meijer e guidata dall'Istituto Olandese di Storia dell'arte di Firenze, è dedicata alla catalogazione completa degli oltre diecimila dipinti olandesi e fiamminghi nelle collezioni pubbliche italiane. Iniziata nel 1998, la collana è costituita da 9 volumi divisi per regione. Questa fondamentale iniziativa editoriale, forse una delle più significative nel panorama della storia dell'arte in Italia, ha portato a reperire, studiare e catalogare un'immensa quantità di dipinti presenti in Italia, molti dei quali sconosciuti o mai pubblicati, rendendo questi volumi strumenti indispensabili per ogni studioso del settore.

La "cineseria", corrente di gusto, nata e diffusasi in Occidente a partire dal XVII secolo, si proponeva di rielaborare soggetti, stimoli ornamentali e tecniche decorative provenienti dall'estremo oriente e in particolare dalla Cina. In ritardo rispetto alle altre corti europee, in Italia la "cineseria" ebbe la sua maggiore e più spettacolare diffusione nel Settecento, quando il gusto per l'Oriente si inserì con prepotenza nei dettami del Rococò. In gran parte delle corti italiane, dal Regno Borbonico di Sicilia e Campania, al Piemonte dei Savoia, dal Veneto alla Roma pontificia, attraverso Firenze e il Granducato prima Medici e poi Lorena, in tutta la penisola la "cineseria" ha lasciato evidenti e affascinanti tracce: nell'architettura, nella decorazione pittorica d'interni, nella ceramica e nella porcellana, nell'ebanisteria, nei tessuti e in tutte le altre arti decorative. Questo libro, riccamente illustrato con circa trecento foto, è il primo studio unitario sulla "cineseria" in Italia.

Il volume appare a sedici anni dalla pubblicazione di Metodologia di restauro delle pitture murali (Centro Di, 1992), un libro oggi alla sua terza ristampa (2008), testo di riferimento sull'argomento e strumento fondamentale per la cerchia di operatori del settore, per gli studiosi, gli studenti e per coloro che gravitano attorno al mondo del restauro. In questo libro, impostato come una serie di "lezioni", si parla di tecniche e di metodi cercando di affrontare i vari argomenti in modo critico e talvolta polemico, sempre con l'approccio semplice e diretto che deriva dalla grande esperienza di Guido Botticelli anche nel campo della didattica. A Guido Botticelli si è affiancata per l'occasione la figlia Silvia che ha organizzato gli appunti, le lezioni, le annotazioni del padre e ha arricchito il testo di approfondimenti storici e ricerca bibliografica, coordinando questo progetto per trasformarlo in un testo destinato non solo agli addetti del settore, ma in particolar modo agli studenti dei corsi di conservazione e a chiunque voglia approfondire le conoscenze sul restauro attraverso l'esperienza diretta del tecnico.

Dopo i volumi dedicati alle chiese fiorentine in relazione alla città di Firenze e a quelli dedicati alla chiesa di Santa Maria Novella, di Santa Croce e della Santissima Annunziata, questo quinto numero della collana illustra attraverso i saggi di Timothy Verdon, Elena Giannarelli, Gabriele Morolli e Giovanni Leoncini, la storia della chiesa di San Lorenzo, le varie fasi della sua costruzione, il valore storico e artistico dell'edificio e la sua funzione religiosa.