Allemandi

Il volume, a cura di Ilaria Bonacossa e Marina Avia Estrada, è ispirato all’omonimo romanzo di Herman Melville e prende le sue mosse dalle molteplici analisi e letture che questo capolavoro letterario dell’Ottocento americano racchiude nelle sue pagine: il rapporto tra l’uomo e la natura; il conflitto tra il bene e il male; i sentimenti di passione e vendetta; la convivenza tra esseri marini ed esseri umani; il tema del viaggio e della scoperta. Partendo da queste molteplicità, il catalogo propone un percorso narrativo capace di accompagnarci alla scoperta dell’universo artistico generato dal romanzo passando dall’arte antica a quella contemporanea, con opere di artisti italiani e internazionali come Pino Pascali, Piero Manzoni, Joan Jonas, Wu Tsang, Carsten Holler, dal design all’illustrazione, dalla storia della navigazione alla scienza, dalla letteratura alla musica. Catalogo della mostra a Palazzo Ducale, Genova, 10 ottobre 2025-15 febbraio 2026.

"Flowers of My Desire" è il catalogo ufficiale della prima grande personale di Joana Vasconcelos in una istituzione pubblica svizzera, ospitata dal 15 giugno al 12 ottobre 2025 al Museo Comunale d’Arte Moderna di Ascona. Artista nata a Lisbona nel 1971 e tra le voci più influenti dell’arte contemporanea, Vasconcelos ha partecipato a tre edizioni della Biennale d’Arte di Venezia ed è stata la prima donna a presentare una mostra personale alla Reggia di Versailles e al Guggenheim Museum Bilbao. Celebre per le sue opere monumentali e installazioni immersive, l’artista decontestualizza oggetti quotidiani trasformandoli in simboli identitari, ricucendo il legame tra artigianato, design e arte contemporanea. Con ironia e leggerezza affronta temi legati all’identità femminile, alla società dei consumi e alla memoria collettiva. Il volume riproduce oltre 30 opere realizzate dagli anni Novanta a oggi e include un’intervista esclusiva di Mara Folini e Alberto Fiz che offre uno sguardo diretto sul pensiero e sul metodo creativo di Vasconcelos. Una narrazione potente e visivamente immersiva, ideale per professionisti dell’arte, collezionisti e chi cerca un punto di vista innovativo sull’arte contemporanea.

"Valerio Berruti. More Than Kids" è il catalogo ufficiale della mostra ospitata a Palazzo Reale di Milano (22 luglio – 2 novembre 2025), che conferma l’artista tra le voci più originali dell’arte contemporanea italiana. La mostra – e il volume che l’accompagna – propone un viaggio immersivo nell’infanzia come memoria collettiva e chiave per leggere il presente. Le figure essenziali di Berruti, volutamente incomplete, invitano il pubblico a completare le opere con il proprio vissuto. Attraverso installazioni monumentali e interattive, il percorso tocca temi cruciali come il cambiamento climatico e le migrazioni, trasformando lo spettatore in protagonista. Tra le opere più iconiche: La Giostra di Nina, una vera giostra azionabile dai visitatori, e una grande scultura che diventa sala di proiezioni nel cortile di Palazzo Reale. Il volume, curato da Nicolas Ballario ed edito da Allemandi, raccoglie 58 illustrazioni in 136 pagine, offrendo una documentazione ricca ed emozionante di un progetto artistico che è da vivere, oltre che da leggere.

Dal 17 maggio al 14 settembre 2025, il Museo Nivola di Orani (NU) presenta un progetto site specific di Nathalie Du Pasquier, artista e designer francese di base a Milano, dal titolo Volare Guardare Costruire. Pensata appositamente per gli spazi del museo, la mostra si configura come una retrospettiva dedicata alla produzione pittorica dell'artista dagli esordi fino a oggi. Il titolo si riferisce a tre fasi della produzione pittorica di Du Pasquier. Volare evoca il momento del distacco dalla progettazione di oggetti di design, verso la pratica più libera della pittura. E non è forse un caso che tante delle opere di questa fase presentino delle scene viste dall'alto, con una prospettiva a volo d' uccello, simbolo della forza dell'immaginazione, della sua capacità di librarsi in alto ed espandersi liberamente. Guardare si riferisce a una seconda fase, all'esigenza di abbandonare le scene puramente immaginative per dedicarsi ad un'osservazione quieta e puntuale della realtà, anche degli oggetti più quotidiani e apparentemente insignificanti, che rivelano invece, a uno sguardo interessato, forme straordinarie, dettagli preziosi e la capacità di comprendere in se stessi la complessità dell'esistenza. Sono visioni che l'artista definisce "silenziosissime e fermissime", che invitano a riscoprire il piacere del mondo sensibile attraverso un'osservazione silenziosa e attenta. Insoddisfatta dell'apparenza sensibile della realtà, Du Pasquier si dedica, infine, a Costruire, realizzando strutture originali, piccole costruzioni astratte tridimensionali che vengono poi ritratte col pennello, riportate sul piano bidimensionale delle sue tele. Si innesca così una dinamica complessa fra realtà e rappresentazione, in una stupenda metafora della pittura.

il volume raccoglie tutte le autrici e gli autori protagonisti dell'edizione 2025, offrendo uno sguardo completo sulle mostre e sulle narrazioni visive che animano il festival. Il catalogo racconta anche la storia della collaborazione tra Cortona On The Move e Intesa Sanpaolo, un percorso comune nato nel segno dell'impegno per la cultura visiva contemporanea e l'innovazione narrativa. Al centro di questa edizione c'è il tema "Come Together", scelto come risposta alla crescente polarizzazione che caratterizza il nostro tempo. Un invito a esplorare le fratture e i tentativi di guarigione, i conflitti e i processi di riconciliazione, sia sul piano sociale che personale. Non si tratta di offrire soluzioni semplici, ma di affrontare la complessità, cercando nuovi paradigmi per costruire ponti e non barriere. Infine, il volume include un racconto delle 14 edizioni precedenti del festival, ripercorrendone l'evoluzione e il contributo alla fotografia documentaria internazionale.

Il catalogo ragionato di Giovanni Fattori a cura di Giuliano Matteucci colma la lacuna negli studi di una delle figure di maggior rilievo nel panorama europeo del XIX secolo e si configura come strumento imprescindibile per quanti intendano approfondire il corpus del maestro macchiaiolo. Frutto di un lavoro condotto per quasi un ventennio, data la prolificità del pittore e l'ambizione di restituire ad ogni dipinto l'esatta identità, il catalogo documenta, ordinate cronologicamente, oltre 1400 opere ad olio. La schedatura è stata condotta consultando l'estesa bibliografia dagli esordi sino ad oggi con l'ausilio dei preziosi archivi dell'Istituto Matteucci. L'opera si articola in due volumi, raccolti in un unico cofanetto, comprendenti, il primo, il regesto biografico, nove cappelli introduttivi corrispondenti alle diverse fasi della vita e dell'attività dell'artista e oltre 90 tavole a colori; il secondo, le schede scientifiche corredate di riproduzioni in bianco e nero. Lo spirito con cui il lavoro è stato affrontato, è stato quello di dare conto, nel modo più esteso, oltre che dell'intensa attività, basando il lavoro sul riscontro dell'autografia, della ricca e particolare vicenda privata. La straordinarietà del personaggio, nello snodarsi di questo lungo e articolato percorso, emerge prepotentemente con la sua forte integrità morale, la fresca ingenuità e grandezza d'animo. Ed essa spicca non meno della natura d'artista. Del tutto avulso da qualsiasi forma di ambizione e autorevolezza in grado di garantirgli un futuro sereno e privo d'incognite, Fattori ha svolto un ruolo determinante nell'aggiornamento della cultura figurativa nazionale.

miramART è la collezione di arte contemporanea del Grand Hotel Miramare. Conta oggi oltre 80 opere di 60 artisti e artiste, italiani e internazionali, distribuite tra camere, corridoi, saloni e spazi all’aperto. Nata in modo spontaneo, la collezione è cresciuta nel tempo, diventando parte integrante dell’identità del luogo e dell’esperienza di chi lo abita. La fotografia ne rappresenta il nucleo centrale, affiancata da pittura, scultura e video. Le opere non sono semplicemente esposte: si inseriscono negli spazi e ne trasformano la percezione. Tra i nuovi ingressi del 2025 figurano, tra gli altri, lavori di Jacopo Benassi, Rossella Biscotti, Patrizio Di Massimo, Martin Parr e Silvia Rosi. Prosegue anche il percorso degli interventi pensati appositamente per il luogo: dopo quelli di Luca Vitone, Irene Fenara e Franco Mazzucchelli, entra in collezione un nuovo lavoro site-specific di Sonia Kacem, installato nella hall al terzo piano.

Un caleidoscopio in continua mutazione. Come un cubo di Rubik, colto un attimo prima di essere risolto. Questa è la Cina nelle immagini di Olivo Barbieri, realizzate in un arco temporale lungo trent’anni, dal 1989 al 2019, qui riunite per la prima volta in un volume organico. Immagini, lontane da intenti documentaristici, che colgono le polarità di un Paese dalla natura felicemente ambigua. Frenesia e vuoto. Postmodernità e arcaismo. Horror vacui e horror pleni. Contrasti di un luogo che tende a sottrarsi a ogni facile definizione, oscillando tra nette antitesi. Ciò che in fondo può dirsi anche per la fotografia plurale di Barbieri, artista dal «doppio sguardo», dove da sempre il naturale dialoga con l’artificiale, l’umano con il metamorfico, l’illusione con il vero. Tra gli autori più innovativi e originali della fotografia internazionale, Barbieri è stato il primo della sua generazione a comprendere che nel passaggio verso una società «ipermoderna», come l’ha definita il filosofo Gilles Lipovetsky, non cambiano solo i mezzi per leggere la realtà, ma cambiano anche le dimensioni dei fenomeni. Di qui la necessità di allargare il campo di indagine, adattandolo a una dimensione globale, e di esplorare il paesaggio contemporaneo da nuove prospettive, fisiche e soprattutto mentali. Di queste trasformazioni epocali e globali la Cina è l’ombelico, punto di impatto di una rivoluzione visiva che trasforma - deforma - lo stesso sguardo fotografico.

Da aprile a settembre 2025 le Gallerie d’Italia di Torino ospiteranno l’importante mostra dedicata a Carrie Mae Weems (1953), tra i più influenti artisti americani contemporanei. Lungo la sua carriera più che trentennale ha indagato i rapporti familiari, l'identità culturale, le questioni legate al sessismo, all’appartenenza di classe, i sistemi politici e le conseguenze del potere. Il corpus artistico di Weems si avvale di fotografie, testi, tessuti, frammenti audio, immagini digitali, installazioni e video. Questa monografia raccoglie le opere più importanti. “Ho scoperto di essere il punto di riferimento, e il punto di vista, che indirizzava l’osservatore verso persone come me nella storia. Poi ho capito che questo sé fotografico era una musa e una guida verso l’ignoto. Miracolosamente la musa si è evoluta superando la mia resistenza a fotografare le persone senza averne il permesso e, lungo questo percorso, ho scoperto un modo completamente nuovo di lavorare. In realtà , ho scoperto me stessa. Grazie a Dio”. (Carrie Mae Weems)

Genovese, classe 1964, Luca Vitone vive e lavora tra Milano e Berlino. Le sue opere, che spaziano dalla scultura all'installazione e dalla fotografia al video, sono state esposte nei maggiori musei pubblici e privati sia in Italia che all'estero. L'attività artistica di Vitone è caratterizzata da una forte componente concettuale e da un'attenzione particolare al contesto in cui le opere vengono realizzate. Tra i suoi lavori più significativi spicca per l'eternità, che ha realizzato, con la collaborazione con Maria Candida Gentile, in occasione del padiglione Italia alla 55a Biennale di Venezia del 2013, curato da Bartolomeo Pietromarchi. Nel catalogo verrà inserito, per la prima volta in un unico progetto, l'intero corpus di lavori nato da questa scultura acromatica monolfattiva. Il sottotitolo premessa per una trilogia si riferisce al fatto che per l'eternità è stato il primo di tre progetti consecutivi di vitone basati sull'olfatto, sull'esplorazione del rapporto tra memoria, luogo e percezione sensoriale in rapporto con il potere. Per l'eternità (2013) come potere economico, Imperium (2014) a rappresentare lo Stato, a Tale of Forked Tongues (2017) quello dell'autorità militare. Ognuno di questi si concentra sulla capacità dell'olfatto di attivare ricordi e connessioni profonde, sfidando i confini tradizionali dell'arte contemporanea. Arricchiranno il volume vari collage fotografici e un'altra opera inedita dell'artista intitolata stanze, «Un ritratto dello spazio espositivo eseguito con polvere proveniente direttamente dal luogo stesso, quella che si deposita quotidianamente sulle varie superfici e che quando viene rimossa è subito sostituita da altra simile. Un elemento metaforico del nostro vivere e degli spazi che viviamo».

Il volume nasce in occasione di una monumentale installazione di Chiara Dynys, che costituisce la seconda mostra nella sala Sterling della cosiddetta “Grande Brera”, ovvero nel ristrutturato e appena aperto Palazzo Citterio nel centrale quartiere milanese. Negli ampi spazi di questo singolo salone ipogeo, l’artista ha letteralmente costruito un “mare” in movimento, secondo l’ispirazione e i metodi delle grandi macchine teatrali barocche, creando così un ambiente straniante e meraviglioso per il visitatore. Nel volume – curato da Anna Bernardini, con un suo saggio e con un ampio testo di Giorgio Verzotti – è illustrata non solo l’opera, ma anche tutto l’imponente backstage, grazie alle fotografie di Giulio Buono, e al contempo il libro è anche l’occasione per rivisitare tutte le installazioni ambientali dell’artista, dagli anni Novanta ad oggi. Ben trentatré schede storico-critiche, corredata da fotografie, testimoniano dell’importanza del lavoro installativo di Chiara Dynys, sia dal punto di vista quantitativo, che soprattutto qualitativo, presso alcune delle più importanti istituzioni museali europee.