Allemandi

Il volume offre un inedito sguardo sull’Astrattismo e l’Informale attraverso le scelte del collezionismo aziendale Olivetti e quello della Città di Ivrea, a testimonianza di un clima culturale storica-mente fondato sul dialogo e sul confronto tra pubblico e privato. I linguaggi che hanno dato vita a queste due luminose costellazioni dell’arte del Novecento, sono documentati dalle 90 opere illustrate nella pubblicazione. Il libro inizia con le opere di Picabia, Balla, Kandinskij e Miró, con rimandi al Futurismo e alle radici dell’Astrattismo. Alla seconda metà degli anni cinquanta risalgono le opere di Eva Fischer, Ennio Morlotti e Tancredi Parmeggiani. Le due collezioni si intrecciano, registrando un’attenzione tesa a recepire il dinamismo della scena locale, come testimoniano i dipinti di Annibale Biglione e Filippo Scroppo, fondatori della sezione torinese del Mac-Movimento Arte Concreta a Torino e l’interesse per i grandi protagonisti internazionali dell’Informel, tra i quali Pierre Alechinsky e Hans Hartung, con lavori degli anni sessanta. Il catalogo è il quinto della collana «Olivetti e la cultura nell’impresa responsabile», legata all’omonimo ciclo espositivo presentato nelle sale del Museo Civico Garda di Ivrea. Segna una nuova tappa nel percorso di valorizzazione della raccolta di opere d’arte Olivetti e del patrimonio storico dell’Associazione Archivio Storico Olivetti.

Le fotografie che Massimo Listri ha dedicato negli anni alle biblioteche di tutto il mondo sanno cogliere il fascino incantato e la straordinaria bellezza di queste architetture, destinate nei secoli a conservare e far conoscere i libri. Il grande scrittore e poeta Jorge Luis Borges, che in gioventù aveva fatto il bibliotecario, diceva che una biblioteca è un vero e proprio universo. Dall'antica biblioteca dell'Abbazia di Melk - dove è stato girato il film Il nome della rosa - alla Public Library di Taipei, una bio-architettura contemporanea affacciata su un parco pubblico, Massimo Listri compie un viaggio nei luoghi di culto della lettura e della cultura. Il volume propone in edizione aggiornata una selezione di Il fascino delle biblioteche, un libro edito nel 2002 che ha segnato una tappa importante nella storia quarantennale della Casa editrice. Lo riproponiamo come prima uscita della collana “Gran Riserva”, in occasione della mostra Il fascino delle biblioteche. Massimo Listri, aperta nelle sale di Palazzo Giusiana a Ivrea, durante l'anno di Ivrea Capitale italiana del libro 2022. Arricchito da 9 nuove fotografie, il volume è corredato dai testi di Umberto Allemandi e di Costanza Casali e dal saggio di Umberto Eco De bibliotheca. Le 18 tavole a colori sono accompagnate dalle notizie sulle biblioteche fotografate e da un'antologia di citazioni letterarie tratte da pagine di Thomas Mann, Virginia Woolf, Jorge Luis Borges, Giorgio Bassani, Georges Perec.

Il nome di Giorgio Soavi (1923-2008) è sinonimo dello stile Olivetti. Intellettuale poliedrico, scrittore e fine conoscitore delle arti grafiche è stato anche un intelligente collezionista di opere d'arte. I quadri - ha confidato in un suo libro del 1993 - si acquistano per poterne scrivere. Soavi era entrato in Olivetti a 24 anni, incontrando per la prima volta Adriano Olivetti «nel suo ufficio in quella grande fabbrica di vetro e cemento progettata dagli architetti Figini e Pollini». Nella portaerei, come l'aveva soprannominata, fa esperienza di una «nuova realtà alleata all'utopia». Dopo un primo incarico alle Edizioni di Comunità, dagli anni '50 inizia a curare i progetti d'arte ed editoria dell'azienda. Il volume contiene una ricca antologia di testi: la scrittura di Giorgio Soavi scorre tra i libri, gli oggetti, i documenti e le opere di artisti come Alberto Giacometti, Marino Marini, Graham Sutherland, Jean-Michel Folon. Il catalogo completa la collana "Olivetti e la cultura nell'impresa responsabile", nata per documentare il ciclo di sei mostre realizzate al Museo Civico Garda di Ivrea in collaborazione con l'Archivio Storico Olivetti.

Aperçues è la parola chiave che intitola la pubblicazione, un progetto d’artista concepito da Nina Carini, esponente della giovane generazione artistica italiana, per documentare la propria ricerca. Tratta dall’omonimo libro di Georges Didi-Huberman, Aperçues apre alla dimensione delle immagini intraviste, a ciò che appare e velocemente scompare, lasciando in realtà tracce e frammenti di emozioni e pensieri. Il catalogo documenta la mostra personale di Nina Carini negli interni della basilica di San Celso a Milano: a partire dalle installazioni scultoree, sonore e ambientali realizzate in dialogo con il luogo e la sua architettura, si estende a un archivio di opere datate dal 2017 al 2023. Esito di studio e riflessione, le opere di Carini sono forme aperte e permeabili che superano la specificità dei media, impiegando la parola, il suono, la poesia. Come si apprende dalla conversazione tra l’artista e il filosofo Davide Dal Sasso, pubblicata in catalogo, per Carini si tratta di Lavorare sull’aria. La pubblicazione, a cura di Angela Madesani e Rischa Paterlini, è arricchita dai saggi delle curatrici e da un testo di Dal Sasso.

Il volume presenta i risultati delle indagini e degli studi promossi e coordinati dal Comitato scientifico per il restauro del Duomo di Modena tra il 2008 e il 2014, in occasione dell'ultima campagna di restauri che ha interessato il monumento, riconosciuto nel 1997 dall'UNESCO Patrimonio Mondiale dell'Umanità insieme alla torre Ghirlandina e a Piazza Grande. Si tratta di un importante patrimonio di nuovi dati che sono stati raccolti e interpretati grazie a un innovativo approccio interdisciplinare. Essi hanno, da un lato, accompagnato e orientato gli interventi di restauro e consentito, dall'altro, di avvalorare nuove ipotesi interpretative sulle fasi costruttive del monumento e sui suo comportamento nel corso dei secoli, di precisare il progetto originario di Lanfranco e i termini del reimpiego di materiale proveniente dalla città romana.

La monografia, riccamente illustrata, documenta l’ultimo decennio di ricerca di Alex Pinna, la sua produzione artistica nel campo della scultura, del design e dei gioielli. Al lavoro dalla metà degli anni novanta e con un ricco itinerario espositivo sulla scena nazionale e internazionale alle spalle, Alex Pinna ha costruito nel tempo un immaginario abitato da figure che rappresentano il mondo e il corpo con lievità e ironia, utilizzando il bronzo, la resina e i metalli preziosi e passando dal formato ambientale a quello incantato del minuscolo. Ispirato dall’universo ludico e immaginifico della cultura infantile, dei fumetti e delle favole, l’artista concepisce la scultura come un modo e una presenza per alleggerire lo spazio. Nelle sue opere si riscopre il piacere dell’eleganza delle figure, nella leggerezza dei contorni come nella essenzialità dei volumi. La pubblicazione ripercorre la cronologia dei suoi cicli di opere recenti, interpretati dalla scrittura e dalle riflessioni di Vittoria Coen, Gaetano Centrone, Paola Stroppiana, Lella Valtorta e da un contributo di Paolo Fresu.

Agli showroom Olivetti si deve la diffusione nel mondo della filosofia e dello stile dell'azienda di Ivrea: luoghi dove arte, design e architettura si fondono per promuovere prodotti aziendali legati agli ideali di bellezza e di attenzione al contesto sociale.

L'arte di Corrado Bonomi è ironica e giocosa, ricca di visioni e immaginari legati all'infanzia, alle estati trascorse al mare, con la testa nell'acqua, come ricorda nelle pagine autobiografiche di questo libro. Acque chete è un viaggio nella sua ricerca concettuale e al tempo stesso ironica. Le venti opere pubblicate in questo catalogo, illustrate nelle tavole a colori attraverso vedute d'insieme e particolari, sono datate dal 1987 a oggi e comprendono l'inedito Nel ventre della balena. Sono le opere esposte in Acque Chete, la mostra personale concepita dall'artista per le sale dell'Acquario Civico di Milano. Tra i dipinti, le sculture e le installazioni, predomina il mare, il leitmotiv che fin dagli anni ottanta attraversa il sistema poetico di Corrado Bonomi, sensibile anticipatore di quella attenzione ambientale oggi divenuta così urgente. Come ha scritto Alberto Fiz, curatore della pubblicazione, «Appare quasi scontato affermare che le tante installazioni prodotte da Corrado Bonomi siano ecosostenibili, anticipando temi ambientali oggi di gran moda, assai meno alla fine degli anni ottanta. Ma la vera peculiarità di questi lavori sta nel desiderio ossessivo di archiviare l'infinito assegnando a ciascun elemento del puzzle una posizione all'interno di una mappa mentale dove compaiono oceani e continenti, disposti ogni volta in maniera differente».

L'opera di de Chirico, che nei primi anni si può dividere in fasi precise, stili, soggetti, iconografie e temi poetici, ha permesso di dare a ogni tomo un carattere monografico, che lo rende valido e fruibile anche come opera a sé stante. Il primo volume «L'opera tardo romantica e la prima metafisica» comprende tutti i dipinti e i disegni tra l'autunno del 1908 e febbraio del 1919 e tutte le riprese, copie o varianti di soggetto metafisico (circa 70 opere) documentate tra il 1922 e il 1943. I volumi dal secondo al sesto coprono l'arco temporale da febbraio 1919 all'autunno 1943 e catalogano circa 1200 dipinti documentati tra le due guerre. Un'ampia cronologia ragionata e illustrata si integra col commento iconografico e stilistico delle opere nelle singole schede. Ogni volume è la trattazione più completa e aggiornata oggi disponibile per la comprensione di un artista circondato di enigmi e misteri: una vicenda creativa e intellettuale tra le più avvincenti e importanti del XX secolo.

L'opera di de Chirico, che nei primi anni si può dividere in fasi precise, stili, soggetti, iconografie e temi poetici, ha permesso di dare a ogni tomo un carattere monografico, che lo rende valido e fruibile anche come opera a sé stante. Il primo volume «L'opera tardo romantica e la prima metafisica» comprende tutti i dipinti e i disegni tra l'autunno del 1908 e febbraio del 1919 e tutte le riprese, copie o varianti di soggetto metafisico (circa 70 opere) documentate tra il 1922 e il 1943. I volumi dal secondo al sesto coprono l'arco temporale da febbraio 1919 all'autunno 1943 e catalogano circa 1200 dipinti documentati tra le due guerre. Un'ampia cronologia ragionata e illustrata si integra col commento iconografico e stilistico delle opere nelle singole schede. Ogni volume è la trattazione più completa e aggiornata oggi disponibile per la comprensione di un artista circondato di enigmi e misteri: una vicenda creativa e intellettuale tra le più avvincenti e importanti del XX secolo.

Il catalogo, edito in occasione della mostra Il corpo del colore alla Fondazione Carispezia a La Spezia, presenta un’ampia antologia della collezione dell’avvocato Giuseppe Iannaccone: «la più importante raccolta privata di pittura italiana degli anni trenta o, più precisamente, della stagione neoromantica di quel decennio», come scrive Elena Pontiggia, nel saggio che introduce la pubblicazione. Le novantaquattro opere, illustrate a colori e raccolte nelle sei sezioni che scandiscono il percorso espositivo, raccontano il mutamento propositivo che, tra la fine degli anni venti del Novecento e il decennio successivo, porta pittori e scultori ad abbandonare gli ideali classicheggianti e a esprimere istanze nuove. Al classicismo si sostituisce il romanticismo, un espressionismo passionale che attraversa le tendenze postclassiche di Primitivismo, Scuola romana, Sei di Torino, Chiarismo, Corrente. Protagonisti di un’arte nuova, artisti come Birolli, Sassu, Scipione, Mafai, Raphäel, Guttuso, Fontana, affrontano i temi della quotidianità e quelli universali della guerra, degli affetti, della socialità. Il colore acquista corpo e assoluta centralità, come accade nella Battaglia dei tre cavalieri di Aligi Sassu, un’opera a lungo considerata perduta e oggi restituita al pubblico nel suo originario splendore. Rifiutata al Premio Bergamo nel 1941, questa «Guernica italiana» racconta una storia di dissidenza e di opposizione al fascismo. Illustrata in copertina, è l’immagine guida della mostra e di questo catalogo.

Il volume è dedicato a Luci d’Artista, il progetto d’arte pubblica della Città di Torino, nato nel 1998 dalla convinzione che l’arte contemporanea dovesse contribuire al bene comune e abitare le vie, le piazze e i palazzi cittadini. Oggi è una collezione di trentasei opere di luce, che ogni anno, la notte, trasformano la città in un museo open-air. Pubblicato in occasione del venticinquesimo anniversario del progetto, Luci d’Artista. Museo a cielo aperto ne ricostruisce la storia, dall’installazione delle prime opere a quello che oggi appare come un museo unico: luminoso e notturno, pienamente accessibile e capace di mostrare un nuovo paesaggio urbano. Nelle pagine del libro, la sezione dei saggi offre una riflessione sui caratteri peculiari del programma, attraverso le prospettive del management culturale e delle politiche pubbliche, della storia dell’arte e dell’arte pubblica, della comunicazione e delle pratiche educative. Un’antologia di testi, restituisce voce a Fiorenzo Alfieri, l’assessore visionario ideatore del progetto, al quale il volume è dedicato. Luci d’Artista. Museo a cielo aperto è un libro che offre un ricco percorso visivo scandito da oltre cento immagini a colori, accompagnato e approfondito dalle schede delle trentasei opere luminose, presentate in una cronologia che si estende dal 1998 al 2022. Luci d’Artista. Museo a cielo aperto è un progetto della Città di Torino, realizzato dalla Fondazione Torino Musei. Edito da Allemandi, è il terzo titolo che la Società editrice dedica a questo progetto torinese di respiro internazionale, dopo Luci d’Artista a Torino. Millevovecentonovantanove: sedici artisti illuminano la città (1999) e Sculture di luce. Luci d’Artista a Torino (2005). Contributi di Paolo Verri, Fiorenzo Alfieri, Sergio Jaretti, Francesco Bernardelli, a.titolo, Carla Testore, Andrea Balzola; Silvia Maria Sara Cammarata, Carolyn Christov-Bakargiev, Riccardo Passoni, Davide Quadrio.