Armelin Musica: MANUALI

"L'organo, strumento musicale tra i più antichi, ha sempre vissuto ai confini di un territorio acustico che vieppiù si identifica nel corso dei secoli con l'orchestra. Era una sorta di lunga marcia di avvicinamento e convergenza, senza essere mai esplicitata e spiegata in modo convincente. Le corrispondenze e affinità che i due strumenti presentano sono in effetti molteplici e profonde e tuttavia sino ad oggi non erano state mai indagate per le loro incidenze e ricadute sul piano dell'esecuzione musicale. Il lavoro di Stefano Maria Torchio viene a colmare questa lacuna, proponendo al lettore un confronto tra i due strumenti (l'organo e l'orchestra), visto con lo sguardo tanto dell'organista che del compositore e direttore d'orchestra quale egli è a tutti gli effetti. Cosi, mi piace pensare che questo lavoro trovi l'indispensabile ospitalità oltre che tra i professionisti e gli amanti incondizionati di questo grande e nobile strumento soprattutto tra gli allievi d'organo dei conservatori, contribuendo in tal modo alla loro formazione più completa." (dalla prefazione di Francesco Finotti)

L’esperienza ci conferma che le attività presentate in questo volume guidano a bilanciare le risorse fisiche e mentali della persona e, se occorre, possono portare fuori dall’impasse, e ricondurre nel flusso della creatività. Un significativo contributo che viene offerto all’insegnante di strumento che può trovare in queste pratiche un’utile metodologia per mantenere un buon clima di apprendimento durante l’ora di lezione, per aiutare l’allievo a sviluppare motivazione e concentrazione e per educare a un più consapevole uso del corpo in funzione del fare musica con impegno, risultati e gioia. In appendice: Strumento musicale con i DSA.

Prima di avvicinarsi ad una macchina da presa e ad un software di montaggio per la creazione del proprio film è necessario compiere un lungo viaggio nella storia del cinema e scoprire come si è arrivati alla definizione del genere documentario. Solo allora, dopo aver analizzato il rapporto tra musica e cinema e dopo aver esplorato i mezzi e le tecniche di realizzazione, si potrà creare un vero documentario musicale. A tal fine il presente saggio fornirà una breve guida pratica per l'utilizzo del software Final Cut Pro X.

Il libro parla di tutte le gabbie, i gessi e le impalcature invisibili che la didattica vocale moderna ha costruito attorno alla voce nell'illusione di controllarla meglio (e col risultato di soffocarla), e di come imparare a liberarsene. Questo tipo di controllo statico e rigido, introdotto nel canto dalla foniatria artistica un secolo e mezzo fa e basato su una serie di azioni muscolari volontarie localizzate, si sta dimostrando col tempo sempre più nocivo e va pertanto sostituito con un diverso paradigma tecnico-vocale. È ora di svegliarsi insomma dall'ipnosi collettiva del controllo meccanico diretto della voce (fallimentare utopia, prodotta dalla scienza dell’Ottocento) e tornare a quella concezione tecnico-vocale olistica e naturale, che ha fatto grande nei secoli la scuola di canto italiana storica.

Quello che segue è un vero e proprio “viaggio” tra una delle opere più significative di Bach seguendo l’itinerario da lui tracciato con una esauriente documentazione: mentre possiamo trovare numerose biografie di questo straordinario compositore, non abbiamo ancora un’analisi completa e dettagliata delle sue opere organistiche eccezion fatta per la guida alle opere di Bach compilata dal grande Fernando Germani e da quella del suo allievo James Edward Goettsche che segue comunque quella del suo illustre Maestro. Con il lavoro di Sandro Carnelos, si spera di dare una ulteriore possibilità agli amanti della musica organistica, agli studenti dei Conservatori e agli organisti in generale che avranno così una occasione in più per comprendere e accostarsi alla musica del grande Bach. Contiene tutta la partitura registrazione, diteggiatura e pedaleggiatura.

"Recitar cantando" è trattato-manuale sulla corretta dizione dell’italiano, fuori d’ogni regionalismo ed uso corrente: in linea quindi alla teoria partorita lungo i secoli dai massimi letterati e assodata dalla musica operistica che non può inclinare ad alcun soggettivismo né temporanea moda. Composto in Giappone dove fu edito nel 2010, vede ora la luce nell'Italia che, causa la confusione linguistica, rischia smarrir la retta sua pronuncia, con pericolo grave all'esecuzione operistica, nella quale tengono attualmente il campo molti cantanti stranieri. Si pregia di 113 esercizi in poesia, tentando in questo d’avvicinare il fruitore ai più alti esempi della tradizione operistica italiana, e memorando quanto scrisse Giuseppe Verdi: “Bisogna ricordarsi che la voce umana è sì il migliore degli strumenti ma va anche sposata alla poesia e questa ha bisogno di una idealità altissima."

Un progetto compositivo proposto in forma laboratoriale la cui pianificazione attuativa ha coinvolto alcuni alunni di una Scuola media a lndirizzo musicale. La trasfigurazione didattica da un lato ha imposto una scelta dei contenuti musicali, accomunati da una peculiarità strutturale passata alla storia come pattern cromatico discendente, dall'altro ha richiesto una coloritura espressiva mediata da alcuni testi poetici di Vivian Lamarque, particolarmente adatti a rivisitare creativamente con i ragazzi quel clima di malinconico disagio esistenziale a loro tanto caro.

Cinquant'anni di vita societaria offrono l'occasione per precisare gli orientamenti che la musicologia ha seguito tra il 1964 e il 2014 e nel contempo per considerare il ruolo che la Società Italiana di Musicologia ha rivestito nell'ambito della ricerca, della formazione, della didattica e della produzione nel contesto nazionale e internazionale. Undici saggi affidati ad altrettanti autori che hanno ricoperto e ricoprono tuttora un ruolo importante all'interno della SIdM e nel mondo musicologico (Nino Albarosa, Bianca Maria Antolini, Mario Baroni, Alberto Basso, Marco Capra, Etienne Darbellay, Sergio Durante, Enrico Fubini, Nicoletta Guidobaldi, Guido Salvetti, Luigi Ferdinando Tagliavini) affrontano, dandone conto ciascuno attraverso il proprio linguaggio e la specificità del proprio ragionare, sia gli esiti conseguiti in peculiari settori, sia i risultati concreti ottenuti da istituzioni o enti attraverso il loro operato. Dalla riflessione sul passato emergono anche alcune linee di tendenza per il futuro che si auspica siano confortate dalla convergenza di azioni sinergiche e dal supporto di nuove tecnologie.

Francesco Lamperti è il grande maestro di canto che nell'Ottocento, andando contro le nascenti tendenze foniatriche della didattica vocale, riaffermò autorevolmente i principi tecnico-vocali della scuola italiana del belcanto. Alla voce "oscurata" e alle vocali "geneticamente modificate" di Garcia egli oppose così il suono "puro" e "limpido" di Tosi e Mancini; alla voce portata "avanti" e "proiettata" (cioè timbrata artificialmente) oppose il "porgere il suono" e la "pronuncia dolce e chiara" come cause della perfetta sintonizzazione e della risonanza libera del canto; alla respirazione anatomicamente segmentata oppose la respirazione naturale globale; agli "intubamenti" dello spazio di risonanza, realizzati abbassando direttamente la laringe e alzando direttamente il palato molle, oppose la belcantistica "voce spiegata", realizzata "dilatando" passivamente "il fondo della gola". Mentre la didattica vocale foniatrica si stava richiudendo sempre di più in un'angusta visione meccanicistica e laringocentrica, la didattica belcantistica di Lamperti, soccombente all'inizio, spiegava le ali e spiccava il volo, elaborando e approfondendo i concetti per lo sviluppo armonioso della voce.

Gli argomenti trattati nel libro: Il sistema pitagorico; Il sistema zarliniano; Accordature mesotoniche; Intonazione temperata; Il sistema di intonazione di Hindemith; Il sistema modale: I modi greci, I modi latini; Il sistema tonale; La retorica; Il "significato" della musica; I nuovi sistemi musicali post-tonali.