Libri di Serena Guarracino

Il volume si propone di discutere la connessione tra piacere e dolore nelle rappresentazioni dei corpi martoriati in chiave trans-storica, intermediale e multidisciplinare, per investigare come la connessione tra piacere e dolore sia una costante che si presenta con un ventaglio di varianti analizzabili in una prospettiva diacronica dal mondo antico a quello moderno e dalla letteratura alle arti performative e visuali. I saggi si muovono tra diverse discipline, dall’iconografia di martiri come San Sebastiano alle fantasie BDSM nella contemporaneità per occuparsi delle rappresentazioni dei corpi martoriati in una molteplicità di media e forme artistiche. Oltre alle curatrici, il volume raccoglie contributi di: Eleonora Fisco (Università degli Studi dell’Aquila), Massimo Fusillo (SNS), Mirko Lino (Università degli Studi dell’Aquila), Virginia G. Niri (ricercator indipendente), Mattia Petricola (Università di Padova), Sofia Torre (Università degli Studi di Napoli Federico II), Luca Zenobi (Università degli Studi di Napoli Federico II).

Nell’apparente eterogeneità di testi che vanno dal 1968 al 1991, questo volume conferma la coerenza di un’autrice che, fedele a ideali socialisti e femministi insieme, non ha mai smesso di denunciare le ingiustizie, mentre si guadagnava una reputazione di inventiva tale da farla definire “la Picasso” dell’arte drammaturgica. Già più di cinquant’anni fa il radiodramma "Gemelli identici" esplorava la tormentosa questione dell’identità; "Possesso" è una dura critica all’ossessione del denaro e del successo; "L’ospedale al tempo..." indaga i meccanismi del potere coloniale e patriarcale e il discrimine tra azione rivoluzionaria, terrorismo e criminalità; bizzarramente incurante delle coordinate spazio-temporali, "Trappole" vede i personaggi vivere molte diverse possibilità; "Fen" è un ritratto corale che esplora le relazioni all’interno di una comunità, mettendo in luce la durezza del lavoro di bracciantato agricolo; l’ibridazione tra mezzi espressivi caratterizza "Ritratti di figure con veleno" nelle storie della maga Medea, dell’avvelenatrice madame de Brinvilliers, dell’uxoricida dottor Crippen e dell’inventore Thomas Midgley.

La traduzione messa in scena offre uno studio sulla traduzione del teatro britannico contemporaneo in italiano a partire da due testi della drammaturga inglese Caryl Churchill, Seven Jewish Children (2009) e Cloud Nine (1979). All’incrocio tra gli studi sul teatro e sulla traduzione, con particolare attenzione ai feminist translation studies, il volume mette in dialogo la linguistica del testo con le specificità dell’espressione orale e il processo intersemiotico della messa in scena. Inoltre, l’intreccio tra il teatro e la traduzione femminista permette di riflettere sulle caratteristiche pragmatiche e discorsive dell’inglese e dell’italiano, utilizzando l’analisi traduttiva per approfondire le questioni linguistiche e culturali relative alle politiche di genere in relazione al carattere deittico del testo teatrale. La traduzione per il teatro si costituisce come “traduzione senza originale”, che guarda alla rappresentazione del testo d’origine, ma anche alla traduzione messa in scena, che ha l’arduo compito di metterlo in dialogo con la contemporaneità.

Cosa fanno le donne all'opera? Partendo da questa domanda, e alla luce della triade genere-classe-razza ripresa dagli studi culturali, "Donne di passioni" invita lettrici e lettori a incontrare tre grandi eroine della lirica, ripercorrendo la storia di "Traviata", "Carmen" e "Madama Butterfly" per ascoltarne di nuovo e più attentamente la voce. Violetta, Carmen e Cio-cio-san ancora riescono a creare un legame emotivo con il loro pubblico, ma mostrano anche come la lirica sostenga tuttora un senso patriarcale del mondo che le vuole sante e/o prostitute ma comunque sottomesse. Ribelli per passione e ancor più appassionate nel momento della morte, queste "personagge" sembrano cantare l'impossibilità di sopravvivere a uno spettacolo che pare creato per mettere in scena ripetutamente la loro eliminazione. Tuttavia, un ascolto attento alle diverse sonorità della passione al femminile fa echeggiare altre storie che le riscritture contemporanee propongono a teatro come al cinema. Così, con la stessa voce con cui cantano la propria disfatta, le donne all'opera cantano anche il proprio potere, la propria fragile immortalità.

La primadonna all'Opera traccia le variazioni sul tema della cantante lirica nelle letterature in lingua inglese attraverso un approccio interdisciplinare: un viaggio che conduce l'opera lirica lontano dai luoghi conosciuti della critica musicale, nell'altrove di una controcultura in cui primedonne della musica e della letteratura celebrano il potere della propria voce. Se è vero che l'opera rappresenta il potere culturale europeo, la primadonna ricopre il ruolo di straniera esotica, affascinante e insieme pericolosa deviazione dalla norma. Essa può quindi incarnare figure dal margine della modernità occidentale, spesso strettamente legate a percorsi femminili e spesso femministi, come accade nelle narrazioni di George Eliot, Joan Anim-Addo, Willa Cather, Sujata Bhatt e molte altre.

Momenti rappresentativi del multiforme cinema indiano, situato tra film di intrattenimento e cinema d'arte, cui si affianca un cinema diasporico ispirato ai temi della decolonizzazione e della migrazione.