Libri di L. Fiorucci

Il catalogo della V edizione della Biennale d'Arte Ceramica Contemporanea propone le opere di un eterogeneo gruppo di artisti che, con ricchezza di linguaggi personali, trasformano, snaturano, ripensano il medium della ceramica realizzando un'operazione poetica di grande impegno: mettere in forma visibile, portare alla luce, un frammento del loro mondo interiore per immaginare il futuro, liberando gli occhi da visioni stancamente consolidate e preparando la mente a nuove utopie verso cui tendere.

Quale sarebbe la nostra reazione se, entrando in un museo, improvvisamente ci trovassimo davanti delle mine antiuomo o ancora delle casse con all'interno dei residui bellici che narrano il proprio potenziale distruttivo? Se non avessimo la certezza che quelle che stiamo vedendo sono delle sculture, che solo simbolicamente evocano scenari di distruzione, saremmo certamente assaliti da un senso profondo di paura, incertezza, timore per ogni nostro movimento. Forse il senso più profondo di questa produzione artistica di Andrea Caruso è proprio quello di fermare ogni incauta e irragionevole azione e di immergere l'osservatore in un'immagine di "prossimità del pericolo" in cui solo l'attenzione verso l'altro può salvarci. In un tempo in cui abbiamo misurato la fragilità dell'umanità di fronte alla natura, siamo ancora lontani dall'aver compreso quanto pericolosi siamo per noi stessi.

Codici frammentati di narrazioni visive. È già presente nel titolo della mostra, "Codex", un'esplicita sommatoria di situazioni diverse. Opere eterogenee nei riferimenti e nei linguaggi degli artisti coinvolti, tenuti insieme da una possibile, quanto soggettiva, interpretazione dei lavori. Una lettura che in sottotraccia tende a ricucire relazioni frammentate di uno sviluppo narrativo che nell'autonomia delle singole opere si presenta variegato e indipendente, ma che diviene unitario nella tacita lettura interpretativa d'insieme che sottende un tema attuale mai dichiarato apertamente e comunque percepibile a un occhio attento. La mostra è dunque intesa non come strumento di raccolta e presentazione di opere, ma come contenitore di un racconto che si fa contenuto.

Dalla presentazione di Lorenzo Fiorucci: "La tentazione di lasciare questa pagina completamente bianca, emulando in chiave musicale 4.33 di John Cage, manifesto del silenzio non percepibile per eccellenza è forte. Forse farebbe piacere anche a Claudio Borghi che del silenzio in scultura, con un evidente paradosso, si è fatto in qualche modo portavoce. Chi si è interrogato sulla sua scultura, in modo più autorevole del sottoscritto, ha notato, non senza ragione, il carattere afono delle sue opere. L'assenza di suono, sollecitata anche dalle riflessioni che lo scultore appunta qua e là su ciò che nel contempo accade attorno ed oltre alla sua opera, ricorre in varie forme nei testi critici che tentano di fotografare almeno l'ultimo decennio della sua produzione..."

"Abissi di natura" ripercorre la ricerca artistica di Alberto Montrasio (Monza 1937) dagli anni Sessanta fino alla produzione degli anni Ottanta. Dalla sua pittura emerge la spiccata attenzione di Montasio verso un tema caro agli artisti lombardi come il paesaggio. Un paesaggio che fin dagli esordi è declinato dall'artista secondo i modi più aggiornati del tempo, in particolare seguendo la grammatica del segno impresso direttamente sulla densa pasta cromatica. Una natura tuttavia, come notava il critico Roberto Sanesi, che non è semplice rappresentazione del paesaggio, ma anzi, talvolta, si fa pretesto per indagare quel gorgo sottile di emozioni che affiorano da un'indagine più personale e introspettiva e che Montrasio fa emergere attraverso spesse tacche di colore che sporgono dense dalle tele più elaborate.

Leonardo Nobili vive e lavora a Montelabbate, in provincia di Pesaro-Urbino. A partire dagli anni '70 si dedica all'arte, esprimendosi inizialmente con la pittura ad olio. Negli anni '80 frequenta la scuola d'incisione all'Accademia Raffaello di Urbino diretta da Carlo Ceci. Approfondisce le sue ricerche sulla litografia frequentando assiduamente lo Studio Corona di Walter Raffaelli, dove ho modo di confrontarsi e conoscere artisti di varie nazionalità. Artista sperimentale, attinge visivamente ai luoghi della sua terra, intrecciando allo studio della natura quello dei paesaggi più underground e delle atmosfere decadenti metropolitane dei reperti industriali. Nei lavori più recenti la sua arte si fa sempre più espressione di una dimensione interiore e spirituale: il vetro frantumato, elemento ricorrente dell'arte di Nobili, metafora della frammentarietà dell'esistenza, lascia ora il posto ad immagini che esprimono una lacerazione dell'anima che è sintomo di un forte disagio esistenziale. Si esprime con diversi linguaggi artistici: dalla pittura alla scultura, dall'installazione alla fotografia, alla performance, fino al video d'arte. Ha realizzato inoltre grandi opere scultoree.

Massimo Luccioli è un artista che da anni anima il dibattito creativo nazionale ed internazionale, attraverso la proposta di un punto di vista originale e profondo. È curioso costatare come la prima mostra personale di Massimo Luccioli a Faenza (Galleria Comunale d'Arte Molinella, 7-19 dicembre 2018), sia composta prevalentemente di disegni e non di sole sculture. Certo non è questa una superficiale disattenzione dell'artista, né una semplice provocazione alla città della ceramica per eccellenza, quanto piuttosto il reale tentativo di superamento dell'idea di definizione di una disciplina attraverso l'elemento meramente tecnico.

Silvio Pasotti è uno dei pochi artisti profondamente pop del panorama italiano. Nell'uso delle immagini e dei colori, nella costruzione delle scene, nell'immaginario da cui assume i suoi modelli visivi, come da rotocalco, elaborandoli alla luce di una abilità compositiva che ha radici nel suo lavoro degli anni Cinquanta. Maestro nell'assemblare immagini egli costruisce, come ha notato qualche critico, una sorta di iconologia dell'oggetto quotidiano e del desiderio, non esente da attenzioni a temi sociali, con leggerezza, ironia e ne provocazione. La mostra e il catalogo propongono alcuni importanti dipinti di Pasotti degli anni Sessanta, con richiami al lavoro precedente e di poco successivo, utili a indagare i suoi stimoli visivi e gli elementi delle sue composizioni. Il discorso si articola intorno al fregio La neomitologia quotidiana, due grandi pannelli dipinti su alluminio nel 1967 per la sala consiliare del neonato Municipio di Segrate (1963-1966) progettato da Canella, Achilli, Brigidini e Lazzari. Oltre ai dipinti, si presentano alcuni disegni e fotografie con interventi dell'artista, tra cui alcuni inediti.