Libri di Francesco Spampinato

Magari non lo sai, ma andare in un bosco ed eseguire un passo di danza, immaginare il futuro, tracciare sulla terra disegni con ciottoli e foglie, registrare i suoni di un paesaggio sono gesti di cambiamento. In questo libro scoprirai perché. E se pensi che ti piacerebbe cominciare a cambiare le cose per aiutare l'ambiente e fare del mondo un posto migliore, qui potrai trovare istruzioni su come farlo anche insieme ad altre persone che condividono i tuoi progetti e ideali. Prima di te lo hanno fatto artisti un po' in tutto il mondo; a loro puoi ispirarti e imparare a pensare alle cose in modo diverso e costruire, grazie all'arte, un futuro migliore. Età di lettura: da 6 anni.

“Echoes: origini e rimandi dell’art rock britannico” a cura di Francesco Spampinato è un progetto espositivo che indaga e mette in luce la convergenza tra il mondo delle arti visive e quello della musica rock, dagli anni sessanta fino agli ottanta. Il catalogo ne amplia la riflessione attraverso l’analisi di progetti visivi ibridi legati alla musica di Beatles, Pink Floyd, Yes, Genesis e Peter Gabriel, affidati ad artisti come Peter Blake e Jann Haworth, Richard Hamilton, Hipgnosis, Roger Dean e molti altri. Con l’obiettivo di rivendicare per l’art rock britannico delle origini il ruolo di peculiare modello di riflessione sui meccanismi della stessa cultura pop, oltre che di strumento per allegorizzare le tradizioni e la cultura inglesi, il catalogo presenta le origini delle contaminazioni tra arte visiva e musica pop, ovvero la nascita, attorno al 1967, di quel territorio di confine che prende forma tra i bastioni della cultura alta e le regioni più illuminate di quella bassa, e che oggi sembra essersi esteso a tutte le aree dell’arte, della comunicazione e del commercio. Il catalogo è articolato in tre capitoli. Il primo dedicato ai Beatles, illustra l’effetto dirompente dei quattro ragazzi di Liverpool sul mondo giovanile e sulla società in generale: la rivoluzione portata dai Beatles non si limita alla musica, ma trasforma profondamente la cultura visuale, consolidando le dinamiche dello star system per poi travalicarle e raggiungere il mito. Il secondo capitolo è dedicato a Pink Floyd, Yes e Genesis e ripercorre l’immaginario psichedelico e surrealista che accompagna le produzioni di queste mitiche band. Infine, il terzo capitolo si concentra sulla figura di Peter Gabriel, anima dei Genesis nei loro primi anni di attività e con una carriera solista di successo, in un percorso che esplora il tema della frammentazione dell’Io nella ricerca artistica.

La tecnica del 'seamless' – letteralmente «senza soluzione di continuità» – è al centro della filosofia di SKIMS, il brand di Kim Kardashian noto per i suoi indumenti senza cuciture, capaci di enfatizzare la dimensione artificiale del corpo umano rendendolo liscio come un’immagine post-prodotta. Da semplice tecnica di produzione tessile, il concetto di seamless diviene perfetta metafora per definire un corpo in grado di spostarsi con dimestichezza tra reale e virtuale, in una dimensione spazio-temporale ininterrotta, senza raccordi. È, questa, la condizione percettiva tipica dell’epoca post-pandemica: con l’accelerazione nell’utilizzo di social media, piattaforme per lavorare da remoto, display interattivi, app mobili e nuovi sistemi di monitoraggio in real life, mondo online e offline rappresentano oggi una realtà unificata, in continua interazione e sovrapposizione l’uno con l’altro. Lungi dal fornire risposte, Seamless. Arte, visualità e cultura elettronica in epoca post-pandemica vuole porsi come sismografo delle trasformazioni che intercorrono nelle relazioni tra corpi, immagini e media dopo la pandemia. Il libro raccoglie i contributi dei primi quattro graduate student workshop tenuti nel 2022 e 2023 da AVEC (Art, Visuality and Electronic Culture), e dedicati alle tematiche del metaverso, della zona critica, delle oscillazioni dell’identità e dell’IA. Attraverso saggi, analisi di casi studio, timeline, schede dedicate ai principali strumenti tecnologici del presente e documentazione di progetti espositivi creati nel metaverso, Seamless diviene un osservatorio per riflettere sul ruolo dell’arte, della visualità e del digitale nel determinare la nostra attuale realtà percettiva, in cui reale e virtuale si fondono senza soluzione di continuità. A cura di Francesco Spampinato, questo volume è stato pubblicato con il contributo del Dipartimento delle Arti dell’Alma Mater Studiorum – Università di Bologna. Contributi di Lorenzo Aimo, Anna Allegri, Alice Barale, Franco “Bifo” Berardi, Sara Bonaventura, Gregorio Burgio, Irene Calvi, Claudia Virginia Caporusso, Flavia Criscione, Sara Croce, Roberto Fassone, Genealogie del Futuro, LOREM, Filippo Lorenzini, Maddalena Manera, Sara Molho, Carlotta Morselli, Mozzarella Light, Simona Maria Pagano, Joy Pepe, Francesco Rizzi, Alessandro Sambini, Le Smagliatrici, Francesco Spampinato, Eleo (Eleonora) Stacchiotti, Federica Timeto, Beatrice Sartori, Yes Men.

Sin dagli albori del modernismo, l’arte visiva e la musica hanno intessuto un intimo rapporto. Dal manifesto futurista di Luigi Russolo L’Arte dei rumori (1913) ai Rotorelief (dischi rotanti, 1925) di Marcel Duchamp, il XX secolo è stato testimone di incontri sempre più fertili tra suoni e forme, segni e melodie, composizione ed esibizione. Questa antologia senza pari di copertine di album d’artista a cura di Francesco Spampinato segue il ritmo di questo particolare filone della storia culturale, grazie a 500 esempi dagli anni ’50 a oggi. Le copertine rivelano come l’arte moderna, postmoderna e concettuale, nonché la Pop Art e varie forme di arte contemporanea abbiano permeato questo settore collaterale della produzione visiva e accompagnato la distribuzione di massa della musica con immagini iconiche che evocano istintivamente un’esperienza sonora. Lungo il percorso, troviamo i geroglifici urbani di Jean-Michel Basquiat per la propria casa discografica Tartown, gli stencil di Banksy per i Blur, il teschio sineddotico di Damien Hirst per The Hours e la farfalla infilzata da un palo di Salvador Dalí per Lonesome Echo di Jackie Gleason. Ciascuna copertina è accompagnata da una breve analisi e da una scheda contenente artista, musicista, titolo dell’album, casa discografica, anno di uscita e informazioni sull’opera. Inoltre, le interviste a Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen e Raymond Pettibon offrono resoconti e informazioni di prima mano sulla collaborazione tra artisti visivi e musicali.

Carezzevoli, oscillanti, avvolgenti, sfuggenti o vibranti... Una pagina musicale di Debussy e una tela di Monet evocano a volte esperienze simili, che il fruitore è in grado di descrivere attraverso metafore di movimenti corporei, gesti e posture. Questo libro propone un approccio omologico, con un cambiamento di prospettiva nell’analisi interartistica: il punto di partenza non è il contatto fra i contesti produttivi o fra le strutture interne delle opere, ma l’accostamento ricettivo, cioè una comune esperienza corporea di ascoltatori e osservatori. Si offre qui un contributo a una semiotica psicofisiologica delle arti, con ampi riferimenti alle teorie della Globalità dei Linguaggi, disciplina intenta a studiare le memorie ancestrali del corpo per scoprire il senso profondo dei comportamenti umani. Il volume è corredato da una prefazione di Nicola Cisternino e una postfazione di Stefania Guerra Lisi.

Ascoltare una musica come qualcosa che tocca e si lascia toccare, che suscita in noi la memoria di gesti ed evoca vissuti intersensoriali è il frutto dell’incontro fra strategie compositive e reazioni immaginative degli ascoltatori. In "Musica a pelle" si esplora l’immaginario musicale attraverso pagine della storia della musica che sembrano evocare in modo privilegiato metafore di esperienze corporee: i miti di Ermes e Medusa, la poetica acquatica di Debussy, la leggerezza dei Miroirs di Ravel, la voce graffiante di Janis Joplin, l’immaginario gestuale dei Pink Floyd... Oltre alla psicologia della musica, alla semiotica musicale e alla filosofia del linguaggio, questo libro fa ampi riferimenti alla globalità dei linguaggi, disciplina fondata su un’estetica semio-psico-fisiologica, intenta a scoprire il senso profondo dei comportamenti umani.

Sin dagli albori del modernismo, l’arte visiva e la musica hanno intessuto un intimo rapporto. Dalla Musica di Henri Matisse (1910) alla poesia sonora di Hugo Ball Karawane (1916) fino agli “accordi” visivi di Wassily Kandinsky, il XX secolo è stato testimone di incontri sempre più fertili tra suoni e forme, segni e melodie, composizione ed esibizione. Questa antologia senza pari di copertine di album d’artista segue il ritmo di questo particolare filone della storia culturale, grazie a oltre 600 esempi dagli anni ’50 a oggi. Ordinate per artista, le copertine rivelano come l’arte moderna, postmoderna e concettuale, nonché la Pop Art e la street art, abbiamo permeato questo settore collaterale della produzione visiva e accompagnato la distribuzione di massa della musica con immagini caratterizzanti che evocano istintivamente un’esperienza sonora. Lungo il percorso, troviamo i geroglifici urbani di Jean-Michel Basquiat per la propria casa discografica Tartown, gli stencil di Banksy per i Blur, il teschio sineddotico di Damien Hirst per The Hours e la farfalla infilzata da un palo di Salvador Dalí per Lonesome Echo di Jackie Gleason. Ciascuna copertina è accompagnata da una breve analisi e da una scheda contenente artista, musicista, titolo dell’album, casa discografica, anno di uscita e informazioni sull’opera. Inoltre, le interviste a Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen e Raymond Pettibon offrono resoconti e informazioni di prima mano sulla collaborazione tra artisti visivi e musicali.